castelo de areia

Meus preferidos da competição internacional do CurtaCinema 2010

2010-10-29T09:31:00.004-03:00

Fiz uma lista das coisas que mais gosto aqui abaixo, comentando brevemente, e com a uma legenda meio esquisita: verde em negrito são os totalmente imperdíveis, laranja em negrito são os que curto muito, e laranja sem negrito são os que recomendo mas não me arrebatam totalmente.

Caixa Cultural 1 > 30/10/2010 > 14h30

Odeon Petrobras > 29/10/2010 > 17h30

Sa nara, Ina Holmqvist, Emelie Wallgren - Suécia/Sweden

Polterabend, Friedl vom Gröller (Friedl Kubelka) - Áustria/Austria

Lisboa-Província, Susana Nobre - Portugal/Portugal : tem interesse, ficção que flerta com doc, mas que inteligentemente não se decide. Final lindão.

Rendez-vous à Stella-Plage, Shalimar Preuss - França/France: Belíssimo filme narrativo. Se estiver passando em película (a cena principal é bem escura) é absolutamente imperdível.

GREEK SALAD, Jean-Claude Taki - França/France: filme ensaístico absolutamente godardiano e que consegue se safar muito bem dessa grande sombra.

Caixa Cultural 1 > 29/10/2010 > 12h30

Odeon Petrobras > 31/10/2010 > 17h30

La Carte, Stefan Le Lay - França/France

Pickpocket, João Figueiras - Portugal/Portugal: Meu filme português preferido da competição.

Old Fangs, Adrien Merigeau - Irlanda/Ireland

Shanab, Meqdad Al Kout - Kuwait/Kuwait

The cow who wanted to be a hamburger, Bill Plympton - EUA/USA. The Wall ao contrário, e muito mais divertido

La Prévention de l'usure, Gilles Charmant - França/France

Caixa Cultural 1 > 2/11/2010 > 14h30

Odeon Petrobras > 1/11/2010 > 17h30

Derby, Paul Negoescu - Romênia/Romania

Benigni, Jasmiini Ottelin, Pinja Partanen, Elli Vuorinen - Finlândia/Finland

Namibya sehir iken..., Ilker Catak, Johannes Duncker - Alemanha/Germany:

All restrictions end, Reza Haeri - Irã/Iran: Sem dúvida, um dos destaques da comeptição. Outro filme ensaístico. O melhor filme sobre roupa (?) que vi em muuuito tempo. E deve ser difícil de conseguir ver de novo. Certamente, o grande filme Político (com "P" maiúsculo) da competição.

Caixa Cultural 1 > 3/11/2010 > 14h30

Odeon Petrobras > 2/11/2010 > 17h30

Vanishing point, Joseph Hyde - Inglaterra/England: segura a fronteira enre a figuração e abstração de uma maneira muito precisa, gosto bastante do filme.

EL JUEGO, Naishtat Benjamin - França-Argentina/France-Argentina: Cria bom clima

Pour toi je ferai bataille, Rachel Lang - Bélgica/Belgium: belíssimo "filme de menina". Dá um nó na fofura fácil.

Tord och tord, Niki Lindroth von Bahr - Suécia/Sweden

La guitare de diamants, Frank Beauvais - França/France: Filme indie do mato. Acho bonito pra caralho. Boy meets girl com folk bonitão. Da competição, esse é o "filme-que-eu-gostaria-de-ter-feito".

Caixa Cultural 1 > 4/11/2010 > 14h30

Odeon Petrobras > 3/11/2010 > 17h30

Corridor, Patrik Jolley - Índia/India: Não sei de que planeta é esse filme. Mas fico com muito medo de ir lá.

All flowers in time, Jonathan Caouette - Canada/EUA-CANADA / USA

The External World, David O'Reilly - Alemanha/Germany: humor acidaço e anárquico. Curti bastante mesmo.

Revenge : Bowling Ball; Bottle of Champagne; Hammer , Lernert e Sander - Holanda/Netherlands

The tiger, Mike Kuchar - EUA/USA: Não vou falar nada. Veja isto. De coração aberto.

Slam Video Maputo, Ella Raidel - Áustria-Moçambique/Austria-Mozambique: melhor making of da história. Feelgood incontornável, e com piada contendo a palavra "paracetamol" dita com sotaque lusitano.

Caixa Cultural 1 > 5/11/2010 > 14h30

Odeon Petrobras > 4/11/2010 > 17h30

ELECTRIC LIGHT WONDERLAND, Susanna Wallin - Inglaterra/England: Outro da categoria "gostaria de ter feito". Imperdível

A History of Mutual Respect, Daniel Schmidt, Gabriel Abrantes - Portugal/Portugal: Outro belo óvni. Só que nesse planeta dá vonrade de ir. Filme com maior quantidade de quotes geniais da comepetição. E alto índice de feelgood.

Intervalo, Nelson Mabuie - Moçambique/Mozambique

Old Heart, Anocha Suwichkornpong - Tailândia/Thailand

Coming attractions, Peter Tscherkassky - Áustria/Austria: Se passar em película, provavelmente será a maior experiência que se pode pasar nesse festival. Filme de arquivo feito de pura glicerina. Assombroso.

Caixa Cultural 1 > 6/11/2010 > 14h30

Odeon Petrobras > 5/11/2010 > 17h30

Beethoven Grandes Éxitos, Juan Ponce de Léon - Uruguai/Uruguay

Le rescapé, Aurélien Vernhes-Lermusiaux - França/France: filme de terror meio de arte, no mato e com criança. Curto bastante.

If there be thorns, Michael Robinson - EUA/USA: Outro filme-ensaio. Mais lírico do que Greek salad e com uso do texto muito preciso.

Everyday Madonna, Nadim Asfar - Líbano/Lebanon: Outro filme pra ir de coração aberto. Las-bás pop.

cinema das origens

2010-04-22T19:28:00.001-03:00

"It's time to wake up!" (with Sebatian Mekas, Jonas Mekas, André Santos, Isabel Salvado, and some other great friends in Lisbon from juliano on Vimeo.

48, de Susana Sousa Dias (Portugal, 2009) e o "rigor"

2010-04-13T11:14:00.003-03:00

Crítica minha na Cinética, colaborando na cobertura do É Tudo Verdade 2010.

***

Este filme me fez pensar em muitas coisas que acho importantíssimas. Foi bem parecido com a peça "Corte Seco" neste sentido: bom pra conversar e ruim pra assistir (apesar de que acho que o filme ganha neste quesito, é um pouco menos chato). No caso do 48, me vem uma palavra que tá sempre no discurso da crítica em geral (em geral mesmo) em relação a certos tipos de filmes, ou de atitudes e características contidas dentro de certos filmes: rigor.

Vendo os planos fixos do James Benning no "Ruhr" (2009), pensei que provavelmente essa palavra vai estar na maioria das críticas que serão feitas do filme (na verdade, não sei se serão feitas, porque saíram umas 100 pessoas da sala, fizeram aquelas gracinhas de sempre pra chamar atenção, o incomodados com uma coisa com a qual não se consegue se relacionar - o que não tem nenhum problema em si, é só ir embora - foi gerando as piroes reações, atrapalhando quem tava na viagem. Sim, moramos na maior cidade pequena do Brasil. O problema é achar que somos metropolitanos, cosmopolitas e tal...).

O que é "rigor"? Recorro ao Houaiss:

n substantivo masculino 1 rijeza material, física, ausência de flexibilidade, de maleabilidade; rigidez, dureza, inflexibilidade Ex.: 2 Derivação: por metáfora. grande severidade (de princípios, de moral etc.); demasiado escrúpulo; austeridade Ex.: o r. da educação religiosa 3 falta de tolerância; intransigência Ex.: o r. do chefe com relação aos funcionários 4 crueza, rudeza nas atitudes, no trato com os demais, falta de candura; aspereza Ex.: era um homem de grande r. nos relacionamentos, mesmo com familiares e conhecidos 5 persistência, determinação na realização de empreendimentos, em decisões etc.; tenacidade Ex.: estudioso de muito r. em suas pesquisas 6 comportamento que denota essa persistência; obstinação 7 exatidão extremada; retidão, precisão Ex.: o r. do julgamento 8 grande intensidade (de um fenômeno) Ex.:

Enfim, há problemas na eleição do rigor como qualidade acima de qualquer suspeita. A maior delas é que ele só se aplica a certos perfis de obras que lidam com uma certa idéia de austeridade com o público. Nunca vi alguém falar do rigor de "Cantando na Chuva", de "Clube dos Cinco" ou de "Iracema". Esta "estética do rigor" só se aplica a esta superfície séria, me parece. Ela se refere a uma atitude sisuda em relação ao mundo. E acaba assim, pressupondo uma moral bastante limitada pra arte. A exatidão e a precisão, que esta idéia carrega em si, se aplicam obras onde isto é muito perceptível como tema, obras que tendem a uma idéia de reflexividade das formas à la cinema moderno, raciocínio este que se estabelece através da crítica ao espetáculo via Debord e turminha. A idéia de rigor não comporta o humor. Não comporta a destruição de si mesma, o riso do seu prórpio ridículo como obra (face essa que toda a obra contém), a sua arbitrariedade absoluta. Visa uma espécie de segurança de discurso.

Enfim, acho que esta defesa do rigor esconde uma grande preguiça ligada a certos procedimentos formais (câmera parada, ausência de trilha sonora, planos alongados, gente que não ri, enfim: falta de diversão) que acaba mais por funcionar na distinção de quem "pertence ao meu clube dos emburrados", e , na verdade, quem se encaixa nestes meus pré-requisitos que me permitem olhá-lo. O discurso do rigor funciona muito por esta tabelinha de procedimentos que nos fazem permitir ou não olhar para uma obra a partir do que ela mostra, além de adotar um ponto de vista cristão-ascético bastante esquisito "vi-bresson-semana-passada".

Enfim, acho que o 48 é um exemplo bastante ajustado a isso. Os comentáros que vi acerca do filme antes de escrever o texto pareciam comentários de sinopse, anteriores ao filme, escritos ao saber que o filme só mostra fotografias paradas, que duram vários minutos cada uma, e que trata de um assunto sério (o mais de todos no documentário: regimes políticos autoritários). Nada melhor para a turma dos rigorosos: tema "importante" com "procedimentos de vanguarda"? Pode premiar.

Notas rápidas pra desafogar momentaneamente o pensamento

2010-03-23T17:29:00.003-03:00

Álvaro machucado e Maldonado voltando. Agora sim os botafoguenses podem nos chamar de cagões.
Acho realmente que este time promete. Mas prometer tem um limite. O limite é nas oitavas da Libertadores.
Uma coisa que acho bacana, nem lembro se coloquei também no post abaixo é a "geração" que se consolidou com Léo Moura, Juan e Bruno, e Angelim também, talvez também o Toró. Já estão na história. Mas caso a gente ganhe algum título no primeiro semestre o lugar de maiores vencedores pós-Zico tá muito assegurado.
Messi tá bem bizarro. Esse Barça e Arsenal é compromisso de qualquer um que se importe com o futebol. Está em jogo o que o futebol pode ser hoje. Vi o último jogo do Barça, parece outro esporte.
Acho o Dorival Júnior um grande técnico. E me parece que ele está plantando uma filosofia bacana, principalmente com o Ganso, de marcar também. Corre sério risco de virar craque. É uma pena que a imprensa esportiva no Brasil só goste de fofoca e não de tática. Uma pena, porque há muito o que falar disso. Esse time do Santos joga isso na cara da gente.
Fico pensando se o Fla poderia escalar às vezes o Vinícuis de 3° homem no meio às vezes, jogando com o Pet mais à frente. Acho que no estadual rola. Esse time, há muito tempo, tem um grande potencial de movimentação, porque tem muita gente com recursos. Não sei se o Andrade investe muito nisto. Se organizasse um bom rodízio no ataque poderia virar um time muito forte, passando às vezes, Williams, Léo, Juan, Kleberson...
Voltando a Argentina: na frente eles tem uns 6 jogadores (mais o Conca) que entrariam de titulares no Brasil, molezinha, molezinha. Admiro muito o futebol dos argentinos.
Procura-se deseperadamente uma crítica que aborde de frente o novo filme do Resnais. Aquilo parace ser de outro planeta.
É engraçado como se parece um pouco com o Tarantino, pelos grandes "talking pieces", e esse enorme prazer de falar. Vejo isso muito pouco no cinema brasileiro.
James Gray virou uma grande sombra que não me sai da cabeça. Vou ver o Little Odessa e escrever alguma coisa aqui. "Os Donos da Noite" me afetou de uma forma como há muito tempo um filme não me afetava. Me fez no mínimo me lembrar do quão foda é a mitologia grega. E me transformou numa espécie de autômato, me causou reação física imediata. Bizarro.
Fudeu. Aprendi realmente a gostar do BBB e admirá-lo. A Maroca e a Lia em silêncio depois do último paredão foi sinistro, um dos melhores finais de teledramaturgia em muito tempo (não vejo séries...). E os textos do Bial são certamente a melhor coisa que ele já escreveu na vida (é ele que escreve mesmo?)
Blanchot voltou a me rondar: só um trechinho de um diálogo do "Conversa Infinita vol.1" (alô Editora Escuta, cadê o vol. 3???):

- Escrever, não é expor a palavra ao olhar. O jogo da etimologia corrente faz da escrita um corte, um dilaceramento, uma crise.
- Um simples lembrete: o intrumento adequado da escrtra era o mesmo da incisão: o estilete

-(...) Falar, como escrever, nos engaja pois num movimento de separação, uma saída oscilante vascilante.
- Ver também é um movimento.
- Ver supõe apenas uma separação compassada e mensurável; ver é sempre ver à distância, mas deixando a distância devolver-nos aquilo que ela nos tira.
- A visão se exerce invisivelmente numa pausa onde tudo se mantém. Vemos apenas aquilo que primeiro nos escapa. em virtude de uma privação inicial, não vendo as coisas demasiadamente presentes nem tampouco se há premência na nossa presença às coisas.
- Mas não vemos o que está demasiadamente longe, o que nos escapa pela separação do longínquo.
- Existe uma privação, uma ausência, graças à qual realiza-se o contato. O intervalo não impede aqui, pelo contrário, permite a relação direta. Toda relação de luz é relação imediata.
- Ver então é perceber imediatamente ao longe.
- ... imediatamente ao longe e através da distÂncia. Ver, é servir-se da separação, não como mediadora, mas como meio de imediação, como i-mediadora. Neste sentido, também, ver é ter a experiência do contínuo, e celebrar o sol, quer dizer, além do sol: o Uno.

Flamengo 2 - 0 Universidad Católica 23/02/2010

2010-02-24T23:53:00.004-03:00

Achei a estréia mais animadora do que pensava. Depois do jogo contra o Botafogo, fiquei com o alerta-salto-alto aceso. Mas acho que o time acabou tendo atitude, apesar de estar longe do que ainda pode render. Mas esses pontos foram fundamentais e os destaques foram animadores.

M. Lomba: seguro quando acionado. Me convenceu. E ainda por cima não parece ser da escola de presepagem do Bruno. (presepagem é um assunto sério nesse time atual. Fico muito preocupado com um lance que marca muito este time que é o último homem, geralmente laterais, quando marcados na linha de fundo defensiva, fingem o chutão e saem jogando. Se eu fosse o Andrade, proibiria. A tiração de onda não vale o perigo)

Léo Moura: melhor jogo dele no ano. Destaque da partida. Ele pode até estar irregular (e acho que está, mas tremer ele não treme). O medo é de subir à cabeça.

Fabrício: outro destaque. Gostei. Tranquilo, preciso. Acho que o Angelim vai demorar um pouco a voltar. Pro elenco, é ótimo, temos mais um zagueiro.

Álvaro: O Fil foi o primeiro, acho, a desconfiar, e agora engrosso esse coro. Além de não ser um bom jogador, me parece muito desagregador e tem um discurso bastante esquisito. No Big Brother, não durava um paredão.

Juan: Estye ano estou muito preocupado com ele. Sinto uma indisposição muito grande na torcida em relação ao Juan. Como se ele estivesse devendo. Acho que não está. E mesmo se estivesse é ingratidão não lembrar como há pouco ele levava o time nas costas. É um dos marcos dessa geração atual (no bom e no mal sentido). Não treme nunca em decisão e sempre chama a responsabilidade. É que tem o melhor cruzamento do elenco, não perde a bola no ataque (na defesa, às vezes, e isso sim irrita). Toma muitas faltas importantes. Quando entrosar mais com Vinícus e Love, acho que vai dar caldo.

Toró: Se virou bem. Não comprometeu e virou um leão ao ficar sem o Williams. O segurou a onda da botinada. Boa partida.

Kleberson: jogou razoavelmente bem, marcanbdo como poucas vezes vemos. Fico feliz que ele ainda saiba. É preciso aceitar seu estilo "aparece-desaparece". Vale à pena.

Vinícius: uma das partidas menos inspiradas deste que acho o melhor jogador do time neste ano. Não comprometeu, mas podia ser mais incisivo. O reconfiguração do meio com a expulsão o atrapalhou, ficando fora de posição.

Love: continua demonstrando muita raça e isso ganha qualquer torcedor. Falta calma e preecisão pra finalizar. Deu exemplo na marcação no 1º tempo.

Adriano: visivelmente longe da forma do ano passado, mas ainda fazendo difereneça. Perdeu muitos lances, mas é peça essencial na abertura de espaços na defesa adversária.

Everton: gosto muito dele. Hoje, o de sempre: muita disposição e técnica razoável. Acho um bela sombra pro Léo. Depenendo do esquema podem até jogar juntos. (prefiro eles dois do que colocar o Fierro)

Pet: sem ritmo. O que vai enrolar com ele este ano é uma incógnita. Torço pra que aceite a reserva na boa - mas não acredito muito nisso, e prevejo trovoadas.

Fernando: cada vez fica mais claro que ele é um meia razoável e um mal volante. Pode ser problemático num jogo mais difícil, onde tenha que defender.

Em geral. o principal problema é que vulnerabilidade nas bolas altas ainda é total. Isso na Libertadores é fatal. E isso aliado ao fato de que assim como nos último anos, o caminho pra atacar o Fla é nas costas dos laterais, nos bicos da grande área. Times com pontas ou alas ofensivos e grandalhões na área vai se fartar se a coisa continuar assim. Temo pelo mata-mata, se a gente passar.

Mas no geral, fiquei animado. E fazendo figa pela volta do Maldonado. Fazer um jogo fora sem o Williams faz uma diferença capital. Hoje é o nosso melhor jogador ofensivo (principalmente quando não pensa que é o "Blackenbauer")

2 discos, 6 músicas

2010-01-21T09:14:00.002-03:00

Não tenho conseguido parar de ouvir 6 músicas de dois álbuns recentes. Volta e meio ouço outras coisas, que até tenho gostado mas acabo sempre voltando a estas. Curiosamente são as 3 primeiras de dois discos muitos bons. São elas, as 3 primeiras do primeiro EP do Fleet Foxes:

"She Got Dressed"
A muito tempo uma música de pop-rock não me causava tal comoção. Não tenho muito o que falar. É de uma simplicidade direta e de uma intensidade que realmente me arrebata.

"in the hot, hot Rays"
Acabei começando a entrar nesta por conta da anterior. E logo depois, ficando fâ da 2ª parte. Ela é menos exuberante, mas aos poucos vai pegando.

"Anyone who's anyone"
Uma das coisas que mais gosto no FF são os riffs de guitarra. Me soam como que o anti-virtusismo total, são quase fora do tempo às vezes, de tão lentos, lembrando muito o que penso ser surf music (que não conheço nada). Esta canção é o exemplo mais claro disto. A guitarrinha inical é irrestível.

As outras 3 musicas são do Bitte Orca, álbum do Dirty Projectors, de 2009. Eles tocaram por aqui, e por conta da emoção pós-jogo do Flamengo e Corinthians no ano passado (onde o título realmente se desenhou pra nós), acabei perdendo.

As 3 canções me batem parecido, com destaque pra primeira e pra terceira. Uma coisa que foi fatal é a lembrança que me veio do Stando Up, do Jethro Tull, e também de algumas baladas clássicas do tropicalismo e também de algumas coisas doces do Tom Zé. Enfim, aí vai:

(não achei a versão de estúdio desta, mas dá pra ter uma idéia)

ps: Two Doves está correndo por fora, querendo quebrar o título do post. NO rodapé, aí vai:

rascunho datado de agosto de 2009

2010-01-12T13:08:00.001-03:00

Eu não conheço nada de Tchekov. Não sei se Moscou tem a ver com Tchekhov, se entende bem sua obra. O negócio é que desde que vi o filme em março, eu não largo dele. Não lembro de um filme brasileiro que tenha ressoado tanto em mim. Com os filmes do Coutinho, que gosto muito, nunca tinha acontecido algo deste tamanho.

Moscou fala de cinema. É um filme de pergunta, o que é o cinema, até onde ele vai, do que ele precisa, onde começa o teatro, qual é a interseção entre os dois. O filme começa com o o cinema sendo demolido. Nada mais oportuno, sinto que é justamente isso do que se trata: demolição. É um filme que dialoga com o nada, com um buraco negro, um filme de risco, de beira de abismo de abismo, que está a uma fagulha de não ser nada, de mostrar um bando de atores exagerados falando uns textos sem graça para a câmera. Esse desejo de sair do cinema já é algo que aparece na obra do Coutinho há bastante tempo, de várias formas, desde o Cabra, à cada filme, joga mais coisa fora, depurando e chegando no filme anterior, no teatro. Mas no Jogo há cena onde nos instalamos, há um terreno se demarca.

Nas famosas "regras do jogo" que iniciam senão todos mas a maioria da fase Videofilmes de Coutinho, sente-se aqui uma enorme diferença na sua função. Em Moscou, não adianta nada saber a proposta das 3 semanas e da não montagem. E mais, não adianta nada saber que aquilo "é teatro", e que há um texto preexistente.

Diante de Moscou sou colocado num buraco negro, onde não consigo ficar mais de um instante no mesmo. O filme se estrutura como uma espécie de centro ausente que te desloca o tempo inteiro (acho que talvez isso seja algo próximo a Tchekhov). Não se sabe de que lugar assistir Moscou: observar as performances, compará-las?

nota de 2010: é no mínimo curioso que a peça que que mais me moveu no ano passado seja dirigida pelo Enrique Diaz, que imagino que tenha uma boa parcela de culpa no Moscou

Elephant ( Alan Clarke , 1989 )

2009-12-15T09:47:00.003-03:00

Antes de dormir, pegeui pra assistir o Elepfante "original", do Alan Clarke, um diretor que não conhecia, e que fiquei sabendo da existência pelo mesmo motivo que muitos: a referência do filme homônimo do Van Sant. O filme é feito para a TV.
Fiquei chocado. Como uma TV pode exibir aquilo... (lá vem um semi-spoiler, mas acho que este não é um filme que sofra deste mal, mas se quiser checar por si mesmo pare de ler agora e veja o filme aqui abaixo) São 38 minutos, sem fala (na verdade tem uma fala rápida em, uma das cenas), onde acompanhamos gente caminhando pelo mais variados espaços na Irlanda. O problema é o que esta gente faz.
Clarke fez uma espécie de mistura de filme estrutural, conceitual, com Beckett, só que com assassinatos. Ao digamos "eliminar a sinopse" (poderia ser "homens que caminham matam homens que caminham"), Clarke chama atenção para outra coisa e faz um tratado sobre o ponto de vista, sobre o poder de presença que o cinema tem e como isto nos afeta. O filme é quase um experimento centífico, cujo perigo seria o conceito ser maior do que o efeito da obra, mas acho que o fiulme sobrevive bem. Me parece ser um filme essencial para se discutir imagem e violência (e todo o debate às vezes infértil sobre a espetacularização e a má influência que as imagens de violência podem causar). O filme me parece uma bela respota à todo tipo de falsas questões sobre o assunto.
Enfim, sem a menor ironia, trata-se de um filme educativo.
nota 10/10

Assita aqui:

sobre alguns curtas da avant-garde americana

2009-12-05T00:03:00.005-03:00

little stabs of hapiness (ken jacobs) 8/10

go, go, go (marie menken) 7/10

bridges-go-round (shirley clarke) 8/10

Os filmes não abstratos da turma da vanguarda americana me parecem oscilar sempre entre um certo entusiasmo imanente, de celebração das coisas por elas mesmas e do seu potencial de vida, e, do outro lado, uma profunda melancolia, um profundo desencantamento, muito próximo ao que sinto no cinema marginal daqui por exemplo (símbolo disso sendo a coisa do udigrudi...).

Curiosamente, no que jávi, os filmes feitos por mulheres me parecem ser mais contagiados pela primeira força que citei, e os dos homens pela segunda (não imagino porque). O filme de Jacobs, me parece exemplar neste sentido. Vai de uma certa cena, que poderia ser a primeira do fim do mundo, como a primeira de um mundo novo, pós-fim-do-mundo, onde fica-se no limite entre a inocência e a avacalhação, pra daí ir em direção ao ar ivre, e ser cada vez mais contaminado pelo vento, por algo que pode entrar no quadro, por alguma vida que adentrar o ambiente claustrofóbico e descrente. Sem abandonar esta "happiness" particular, encarnada no último trecho por Jack Smith sugando um balão (!).

Apesar da fama que percebi que o filme da Menken tem dentro da historiografia do movimento, pelo número de referênicas, me pegou muito mais o filme da Clarke, por de fato conseguir instaurar uma experiência mais sensorial, de movimento puro, a partir de material fotográfico, figurativo, de alguma forma dando vida àquela arquitetura, dando-lhes movimentos, exacerbando o que é de fato a razão da arquitetura e das pontes, celebrando as formas sem tirá-las do mundo, celbrando sua mundaneidade (outro dia, nuim filme do Joe, vi uma palavra inglês que adorei - apesar de não saber exatamente seu significado - : worldly). O filme tem 2 opções de trilha. A eletrônica me parece mais forte, pela maneira como aumenta mais esta tensão entre distância e proximidade da experiência cotidana que o filme propõe. O que mais gosto do filme da Menken é ela dando um alô no começo e um tchau no final, refletindo no vidro, nos créditos. No mais, talvez por culpa da publicidade, me parece um filme que envelheceu mal. Sinto que ela não se mistura tanbto ao que filma, apesar do movimento do seu ponto de vista no filme. Na vanguarda, a coisa que dispara tudo, me parece ser este "estar na cena", este viver este estado para além do filme, sendo ele só um produto da coisa. O filme dela me parece distante. O que já vi dela me envolveu mais. Um que é sobre um jardim e a batalha de bolex fodaça com o warhol.

Aqui abaixo, o filme da Marie Menken

Wiseman e Philibert

2009-11-04T08:04:00.003-03:00

Nénette

Nicolas Philibert

França, 2009, 55’
8/10
Fiquei bastante impressionado com este filme do Philibert. Fez um filme sobre o olhar. Olhar como gesto intransitivo mesmo. Armando filme sem contracampo visual, só mostrando a jaula dos orangotangos, o filme acaba por operar uma decomposição muito feliz do que é olhar, e do mistério deste gesto. Nos coloca em jogo, ao evidenciar o que os visitantes fabulam sobre a presença de Nenette seus colegas, e ao filmar o olgar de Nenette como ação em si, como a presença do olhar. Enfim, belo filme.

La Danse

Frederick Wiseman

França, 2009, 158’

9/10

Conheço nada do Wiseman. Mas é muito curioso assistir La Danse e sentir o filme como um grande ensaio sobre ser visto, como um filme sobre fazer ver, sobre o que se precisa fazer para ser visto. Isto, aliado ás inescapáveis salas rodeadas de espelhos do ópera e seus constantes usos pelo filme, deformando seus personagens e deixando a equipe aparececer várias vezes, faz o epíteto de "cineasta de transparência" que ronda sobre Wiseman aqui na nossa roça se mostrar como um equívoco completo. Filme que carece de uma revisão, correndo o rsico de virar obra-prima.

notas sobre Docliosboa 2009 até agora

2009-10-22T21:15:00.005-03:00

Está difícl conseguir tempo pra escrever aqui, com sessões começando às 11h da manhã e outras acabando 1h da manhã, mais o jantar, e uma cidade encantadora a conhecer, e um caderninho que só incha de anotações...

Vou deixar aqui anotadas as rapidíssimas impressões do que já vi, talvez desdobrem em textos maiores, talvez não:

Scenes from the life of Andy Warhol/ Happy Birthday to John / This side of Paradise / Scenes from the life of John Maciunas (Zefiro Torna)

de Jonas Mekas
36´ / 24' / 35' / 35' (135) EUA 1990/ 1996/ 1999 / 1992

Funcionam muito bem como um filme só. POnto pra curadoria. Provavelmente, algumas das maiores crônicas sobre a amizade já feitas. Com destaque inegável para o primeiro e o último filme, apesar da grande fala do John Lennon no do meio, que já tentou fazer filmes em super8, mas aquilo era muito mais legal de filmar do que assistir.

Notas: 10/8/7/10

Mekas 1

2009-10-17T14:52:00.002-03:00

The Brig
de Jonas Mekas
68´ EUA 1964

The Brig precede o transformação dos rolos cotidianos de bolex 16mm em filme e sucede o primeiro longa de Mekas, Guns of the Trees. E seu filme que tem o prêmio mais importante até hoje, melhor documentário em Veneza em 1964.
Trata-se da transformação em filme de uma encenação do Living Theatre feita numa locação, num espaço real, fora de um palco. Durante sessenta minutos, o filme se desenvolve numa sala quadrada com uma grande grade central, onde ficam os prisioneiros, com uma porta em cada lado desta grade. A câmera se move por dentro da grade e pelo corredor que a circunda pela frente e pelas laterais. A peça mostra um dia, marcado por cartelas com as horas e que dividem os segmentos, nesta prisão onde fuzileiros navais americanos humilham e exercitam sua autoridade perante estes prisioneiros num espaço exíguo. Esta exiguidade é essencial porque o que importa aqui a Mekas, que estava sozinho no set, trocando de câmera a cada fim de chassi, é este personagem-câmera, é como participar desta ação, que mise-én-scene criar.
Prólogo: ao decidir que faria esta parceria com o Living Theatre, Mekas vai ao teatro para assistir a peça (ela ficou em cartaz durante algum tempo, mas foi tirada de cartaz por suposto anti-patriotismo. A encenação para o filme foi clandestina) e após 8 minutos, segundo ele durante a apresentação do filme, vai embora. No decorrer do filme percebe-se facilmente a principal questão de The Brig: como filmar o controle, como filmar a disciplina e a rigidez levada ao paroxismo? Com um trabalho de câmera que priorize o acaso, que se realize no contato com presente (como todo o trabalho de Mekas). Um refrão do filme é o pedido dos prisioneiros aos guardas para que possam atravessar as linhas brancas que dividem o corredor que envolve a grande cela. Os guardas pedem sempre que eles repitam ad infinitum “ senhor, prisioneiro número ... pede permissão para cruzar a linha, senhor “. O cinema de Mekas é aquele que não é subjugado e nem subjuga. É o cinema interessado no presente, em reagir e interagir com ele, seja o que for.
Se pode surpreender que Mekas tenha escolhido um tipo de encenação que coloca aos nossos olhos cenas de violência e humilhação totalmente atípicas dentro de sua obra, mesmo quando trata da morte ou de qualquer tipo de tema um pouco mais grave, a razão para tal logo se percebe. O jogo que esta encenção propõe deu a Mekas a chance de exercitar a característica que vai definir o eixo principal de sua obra: a capacidade de reagir ao presente, de tornar a câmera um instrumento de contato, de afetação. The Brig é um exercício sobre ser afetado. Toda peça versa sobre isso. Sobre o preso que sucumbe, apanha e vai pra solitário, o outro que tem que aprender os modos do lugar, curiosamente próximo de Tropa de Elite, por exemplo (outa referência é Bom Trabalho de Claire Denis, pela aproximação entre exército e dança). Mas a encenação de Mekas não busca o efeito, nunca se vê a câmera tremer sem um motivo que emane da tela.
Curiosamente a mise-én-scene de Mekas, aliada ao registro crescente em intensidade da interpretação dos atores leva a um interessante misto de distância e envolvimento. Ao mesmo tempo que temos uma câmera misturada ä realidade da encenação, feita initerruptamente, segundo Mekas, as constantes sombras do câmera nos colocam num lugar de intermédio em relação ao filme.
Mesmo jogando fora-de-casa, Jonas Mekas consegue tornar The Brig um interessante exercício de cinema, complexificando a trama entre realismo e artifício já presente na encenação do Living Theatre, respondendo que o que cinema pode fazer contra aquilo é tornar imagem a liberdade de vir e a possibilidade ser afetado, de se misturar ao outro, por fora dos códigos estabelecidos, crinado assim novos espaços, a serem visitados por nóes, espectadores.

7/10

DocLisboa (começando um pouco mal)

2009-10-16T09:43:00.006-03:00

Pretendo nos próximos dias postar algumas impressões das coisas assistidas aqui em Lisboa, no DocLisboa 2009.
A prioridade será pra retrospectiva do Mekas, mas vai rolar de ver algumas cositas más.

The Thorn in the Heart / L'epine dans le coeur ( France / 2009 / 82 Min / Color / French ) de Michel Gondry, 2009

3/10

Gondry decide fazer um documentário sobre sua tia. E consegue fazer um certo inventário do que evitar num documentário sobre sua família. Zoom no choro, sobre som toda hora em que alguém diz uma frase de efeito tipo "eu me sinto culpado da morte de meu pai", música retrô quando rolam imagens em super 8 e maquetes de trenzinhos costurando o filme, dando as datas do que é narrado pela tia Suzette. Todo mundo tem um familiar que alguma vez já se pensou em que "sua história daria um filme" . Gondry foi ao interior da França atrás da sua tia professora, e se mostrou totalmente constrangido, como personagem e diretor, diante desta situação de descontrole e atenção que um documentário como este lhe exigiria. Um filme de sentidos já prontos, brincadeiras que só existem pelo efeito, onde nenhuma imagem ou som escapa de uma vontade de ser engraçadinho e bacana (várias risadas na platéia), entremeada por doses de vontade de ser "seriozinho", tipo colocando em jogo a personalidade dominadora de Suzette em relação ao seu filho deprimido. Numa cena do tipo, assim que ela profere o nome do filme, referindo ao filho, sobe som, fecha câmera no choro da senhora. É um filme com cumpre toda tabela estabelecida pra este tipo de doc. A equipe aparece, há piadinhas mil com isso, tipo "tira o boom da imagem!" (levando o cinema às já citadas risadas).
Enfim, um prato cheio para detratores do Gondry.

(o melhor momento de cinema ontem certamente foi a volta pra casa, inevitavelmente pensando em João César Monteiro. Estou hospedado ao lado da casa amarela. Lisboa é realmente deslumbrante. Hoje tem curta do apichatpong e 2 mekas. Here we go.)

Inimigos Públicos - Michael Mann - 2009 - Public Enemies

2009-07-29T20:59:00.002-03:00

A última vez que tinha ido ao cinema Leblon foi pra ver justamente Miami Vice. Novamente me fez muito bem assitir a um filme do Mann. E acho que estive mais in the mood do que na sessão anterior. Mann tem um vigor de encenação, um prazer de colocar os atores e câmera no espaço e de aproveitar este simples fato, que me atinge muito diretamente como espectador. Assim, acaba aponatndo sempre pra este presente da cena, pra este milagre da inscrição verdadeira, deste tempo que se passa junto - talvez daí a solidão se erija como um grande tema, como uma força nestes filmes, pela negação, mas marcando ainda mais este eixo presença-ausência - cinema como tempo compartilhado mesmo, e como prazer desta partilha. Enfim , me pegou.

O filme consegue não deixar a materialidade da imagem, que muitas vezes chama uma inegável atenção via instabilidade e textura digital, tomar a dianteira neste partilha com a gente, a encenação nunca é posta em perigo por conta disso. É a erupção de um prazer desta presença na cena, pequenas explosões e exacerbamentos desta energia. Isso me salta mais aos olhos na primeira metade, dando a impressão de que havia muita história pra contar, ou roteiro pra anadr de modo que não se pode dar este tipo de atenção a boa parte das cenas. Tanto o tiroteio noturno na casa e belíssima cena do cinema, pontos bases do desenrolar da história, são cuidadosamennte embebidos desta entrega que marca a beleza Inimigos Públicos.

Recordações de um porvir (Le souvenir d’un avenir, Yannick Bellon e Chris Marker, França, 2001)

2009-06-04T10:51:00.003-03:00

Belo título e belo filme. Muito marcado pelas guerras. Até demais à vezes. Mas o Marker consegue trazer uma leveza inesperada em alguns momentos como das fotos das filhas. O filme caminha em direção a essa leveza (sempre com uma boa dose de obscuridade no extra-campo, que a voz implacável do narrador deixa sempre a espreita. são como mundos intercambiáveis.É bem bacana como a presença do horror ganha intensidade mostrada pelo seu negativo, pelo contra-plano, quando Denise Boillon fotografa paisagens e bonecos.).
No mínimo, é um dos filmes mais bacanas que já se fez sobre sua prórpia sogra.

No outro filme da sessão, "Viva a Baleia", dormi bonito - às 16h, tendo dormido bem na noite anterior.

Apesar disso, o "Recordações" me me fez ficar com um pouco menos de preguiça da mostra do Marker. Hoje acho que encaro mais um.

Frames de "Romamor" (1992-Joseph Morder)

2009-03-05T00:03:00.007-03:00

2009-01-27T20:51:00.002-03:00

(pedalando na praia de Copa, na altura do Lido, ouvindo Suzan Jane, do Eugene McDaniels, pela quinta vez em uma hora: o aniversário chegou mais cedo)

Imagens de Fanyasma, de Lisandro Alonso, 2006

2008-12-25T15:35:00.002-03:00

"obrigado" ou a o "melhor da série"

2008-12-10T23:26:00.001-03:00

Beirut - Elephant Gun
Enviado por YforYerom

Resposta

2008-10-08T13:52:00.002-03:00

Então, Luiz:
tava pensando em escrever rapidamente sobre o assunto e me deste a deixa.
Cada vez venho pensando mais sobre isto que se convém chamar de cinefilia e da minha inabilidade para tal. No festival do Rio, indisponibilidade, pra ser mais exato. Sinto que por um lado nem sinto falta de ver filmes que acharia "bons filmes", e por outro lado, que me fecho numa certa cartilha estética cômoda, tipo "só vejo o que me interessa". Como será que a gente sabe a priori o que nos interessa? Vou na bengala da intuição combinada com disponibilidade pragmática, o que sobra do tempo das obrigações digamos "exteriores".

Dentro deste grupo restrito, ficou comigo " A Viagem do Balão Vermelho" e "Aquele querido mês de agosto", junto com "Praça Saens Pena" e "Noite e Dia". cada um no seu lugar. O filme do Hou é muito impressionante, tendo esse adjetivo quase todos seus sentidos possíveis. Me parece muito difícil e muito arriscado fazer o que ele conseguiu. Um filme muito frágil. Que parece pronto a desfacelar. Uma espécie de cinema-pipa, que precisa da quantidade de vento exata pra se embalar. Um filme pra ver sempre, enquanto houver vento. Só cresceu na revisão. Quanto mais leve estiver para assistí-lo, mais livre e despreocupado, melhor. É muito interessante perceber como o cinema dele sente o cheiro da abstração, ou o aroma da narração e vai pairando na sua corrente própria e plural. É um cinema meio tudo ou nada. Que tem sua delícia neste risco de passar batido e aí sua política.

O filme português é de outra vibração. É um filme que quer tudo, quer todos, e que não podia ser feito por gente experiente e apurada (no sentido do Hou, de quem se arrisca muito, mas que já conhece alguns caminhos), é um filme encantado com o mundo e com o fazer cinema, numa espécie de fagocitação contínua que tem auges de extrema beleza, como na cena do choro-riso. Dá muita vontade de rever. E dá muita vontade de filmar, transparece maravilhamento com o mundo e com os amigos. Dá vontade de mobilizar a "galera". Isso é muito prum filme. Foi uma sessão memorável.

O "Praça Saens Pena" ontem me comoveu bastante. Deu vontade de ligar pra alguém querido. Acho que o filme acerta onde o cinema-Petrobras aqui do Brasa tem errado muito. É lindo o que ele omite. Muito do seu valor acaba sendo negativo em relação ao cinema brasileiro do seu tempo. Não tem sociologia barata. Não tem "Passei uma semana em Paris assistindo Jia Zhang-Ke". Acho um filme muito preciso sem deixar de omitir os dados brabeira do cotidiano carioca. É lindo ver um filme onde ninguém é boneco. Tá virando raridade por nossas bandas.

O "Noite e Dia" carece de revsião., Ainda que não me arrebate como Turning Gate, há uma série de elementos que estão martelando minha cabeça até agora. Tenho a impressão de que ele está se deixando mais. A estrutura do calendário e o aumento da comédia corporal tornaram o filme leve de assistir. E o carisma do protagonista bateu recordes. E muito bacana o pessimismo pastelão (e daí otimismo do coreano).
Dos documentários lá pro DocBlog, ficou só a força do funk que "Favela on Blast" se permitiu mostrar. Isso é um mérito grande. O filme dá vontade de dançar. Escrevi um texto lá onde falo disso melhor.
Vejo o Aoyama hoje, Sad Vacation.
Um abraço saudoso,
Juliano

mais ou menos imagens

2008-10-06T15:18:00.002-03:00

pré-lista (à espera da confirmação da Claire Denis)

2008-09-22T18:54:00.003-03:00

Lista básica do Festival do Rio 2008 sem brasileiros, quase sem documentários ou Derek Jarman:

Panorama do Cinema Mundial
35 DOSES DE RUM
(35 Rhums)
de Claire Denis. Com Alex Descas, Mati Diop, Grégoire Colin, Nicole
Dogué. França, 2008. 100min.
O viúvo Lionel é condutor de trens e vive num complexo habitacional
com sua filha, Josephine, que criou sozinho. Os dois tem fortes laços
e passam muito tempo na companhia um do outro. Um taxista que começa a
rodar pelo bairro flerta com Josephine e eles passam a sair. Lionel,
por sua vez, atrai a atenção de uma mulher de meia-idade, com quem
tenta marcar um encontro. Quando o namorado de Josephine aceita um
trabalho no exterior e se muda, deixando a moça balançada, Lionel
percebe que a filha está ficando independente e que talvez seja hora
deles confrontarem seus passados.

NA CIDADE DE SYLVIA
(En la ciudad de Sylvia)
de José Luis Guerin. Com Pilar López de Ayala, Xavier Lafitte.
Espanha, 2007. 84min.
Um rapaz viaja à cidade francesa de Estrasburgo em busca de Sylvia,
mulher que conheceu anos antes e por quem se apaixonou. Sentado na
mesa ao ar livre de um café, ele observa pacientemente todas as
mulheres que passam na esperança de encontrar aquela que ama. Munido
de um caderno e um lápis, ele rabisca os rostos e silhuetas das belas
e sensuais moças que vê. Quando finalmente acredita ter encontrado
Sylvia, ele percorre incansavelmente as ruas da cidade atrás dela.
Seleção Oficial no Festival de Veneza 2007.

(LEP) - 12 anos
DOM (28/9) 16:00 Estação Botafogo 1 [EB117]
DOM (28/9) 22:00 Estação Botafogo 1 [EB120]
SEX (26/9) 16:00 Est Vivo Gávea 2 [GV202]
SEX (26/9) 22:30 Est Vivo Gávea 2 [GV205]
SEG (29/9) 14:15 Est Barra Point 2 [BP216]
SEG (29/9) 20:15 Est Barra Point 2 [BP219]

A VIAGEM DO BALÃO VERMELHO
(Le Voyage du ballo23:30n rouge)
de Hou Hsiao-Hsien. Com Juliette Binoche, Simon Iteanu, Song Fang.
França / Taiwan, 2007. 113min.
Susanne vive em Paris com o filho Simon de 7 anos, trabalha com teatro
de marionetes e dá aulas na universidade. Sem tempo pra nada e
consumida na preparação do novo espetáculo, ela contrata a jovem Song
Fang, estudante de Cinema taiwanesa, para cuidar do filho. Juntos,
Song e Simon passeiam pelas ruas da cidade. Além da companhia da babá,
o menino conta com um amigo misterioso que só ele vê: um balão
vermelho que flutua sobre os telhados de Paris. Inspirado no filme Le
Ballon rouge (1956), de Albert Lamorisse. Exibido na mostra Um Certo
Olhar do Festival de Cannes 2007.

(LEP) - 12 anos
TER (30/9) 16:30 Espaço de Cinema 1 [EC127]
TER (30/9) 20:45 Espaço de Cinema 1 [EC129]
QUA (1/10) 14:00 Est Vivo Gávea 5 [GV521]
QUA (1/10) 19:00 Est Vivo Gávea 5 [GV523]
QUI (2/10) 22:15 Est Barra Point 2 [BP235]

INÚTIL
(Wu Yong)
de Jia Zhang-Ke. Documentário. China, 2007. 81min.
Sob o calor da cidade de Cantão, mulheres trabalham em uma fábrica de
tecidos. Em meio às máquinas de costura, seus rostos carregam a
incerteza do futuro. No inverno de Paris, a estilista Ma Ke apresenta
sua nova marca, intitulada Wu Yong (Inútil). Suas roupas feitas à mão
criticam de forma conceitual o mercantilismo da moda. Na empoeirada
Fenyang, uma alfaiataria recebe mineradores que vão reparar os

A MULHER SEM CABEÇA
(La mujer sin cabeza)
de Lucrecia Martel. Com María Onetto, Claudia Cantero, Inés Efrón,
Daniel Genoud. Argentina / Espanha / França / Itália, 2008. 87min.
Verónica dirige em uma estrada. Num momento de distração, ela atropela
algo. Nos dias seguintes, se sente distante, estrangeira às pessoas e
às coisas. Os eventos de sua vida social se sucedem, e Verónica
simplesmente se deixa levar. Até que, uma noite, ela revela a seu
marido que matou alguém. Os dois retornam à estrada e encontram apenas
um cachorro morto. Eles procuram na polícia, mas não há qualquer
notificação. A vida parece entrar de novo nos eixos, porém a
descoberta de um cadáver volta a perturbar a todos. Selecionado para a
Competição Oficial do Festival de Cannes 2008.

(LEP) - 14 anos
SAB (4/10) 17:00 Espaço de Cinema 2 [EC251]
SAB (4/10) 21:30 Espaço de Cinema 2 [EC253]
QUA (1/10) 13:40 Est Vivo Gávea 4 [GV426]
QUA (1/10) 20:30 Est Vivo Gávea 4 [GV429]
DOM (5/10) 19:00 Cine Santa []

AQUELE QUERIDO MÊS DE AGOSTO
(Aquele querido mês de agosto)
de Miguel Gomes. Com Sónia Bandeira, Fábio Oliveira, Joaquim Carvalho.
Portugal / França, 2008. 150min.
No interior de Portugal, o mês de agosto é marcado por diversas
festividades, com apresentações de grupos musicais tradicionais e
outras atividades típicas. Movido pelo desejo de fazer um filme
ambientado neste universo sobre o relacionamento entre membros de uma
banda, o diretor parte com a sua pequena equipe em busca de um roteiro
e de atores dispostos a interpretar os personagens. Em meio a inúmeras
indecisões e falta de verba, toma forma a história de um triângulo
amoroso formado por um homem, sua filha e o primo da moça. Exibido na
Quinzena dos Realizadores em Cannes em 2008.

(LEP) - 12 anos
SEG (29/9) 16:30 Espaço de Cinema 3 [EC324]
SEG (29/9) 24:00 Espaço de Cinema 3 [EC327]
SEX (26/9) 13:20 Est Vivo Gávea 5 [GV501]
SEX (26/9) 19:00 Est Vivo Gávea 5 [GV503]
SAB (27/9) 22:10 Est Barra Point 1 [BP110]

LA LEONERA
(La Leonera)
de Pablo Trapero. Com Martina Gusman, Rodrigo Santoro, Elli Medeiros.
Argentina / Coréia do Sul / Brasil, 2008. 113min.
Julia tem 26 anos e está grávida. Um dia ela acorda suja de sangue e
descobre em seu apartamento o corpo do pai de seu filho. Incapaz de se
lembrar do que aconteceu, ela é acusada de assassinato e enviada a uma
prisão especial para jovens mães. Julia dá a luz a Tomás atrás das
grades, mas sabe que só poderá guardá-lo consigo até que o menino
complete quatro anos de idade. Apesar de estarem presos, os dois vivem
momentos felizes juntos. Até o dia em que a mãe de Julia reaparece
querendo pegar o neto. Em Competição no Festival de Cannes 2008.

(LP) - 14 anos
TER (7/10) 15:30 Est Vivo Gávea 1 [GV157]
TER (7/10) 19:50 Est Vivo Gávea 1 [GV159]
SAB (4/10) 19:45 Odeon Petrobras [OD050]
SEG (6/10) 17:30 Estação Ipanema 2 [IP218]
SEG (6/10) 22:00 Estação Ipanema 2 [IP220]
QUA (8/10) 21:00 Cine Santa []

A FRONTEIRA DA ALVORADA
(La Frontière de L'Aube)
de Philippe Garrel. Com Louis Garrel, Laura Smet, Clémentine Poidatz,
Olivier Massart. França, 2008. 105min.
A estrela de cinema Carole vive sozinha, pois seu marido Ed trabalha
em Hollywood e passa muito tempo longe de casa. Ao receber o fotógrafo
François, encarregado de fazer uma reportagem sobre ela, os dois
tornam-se amantes. Mas um dia Ed retorna, e eles têm que se separar.
Quando Carole procura novamente François, ele a ignora. Ela acaba num
manicômio e comete suicídio. Um ano depois, François, prestes a se
casar com Eve, tem uma visão de sua ex-amante interpelando-o a se
juntar a ela no mundo fantasmagórico onde agora habita. Em Competição
no Festival de Cannes 2008.

(LEP) - 16 anos
SAB (27/9) 16:45 Espaço de Cinema 1 [EC109]
SAB (27/9) 21:45 Espaço de Cinema 1 [EC111]
SEX (26/9) 15:40 Est Vivo Gávea 1 [GV102]
SEX (26/9) 19:50 Est Vivo Gávea 1 [GV104]

LIVERPOOL
(Liverpool)
de Lisandro Alonso. Com Juan Fernández, Giselle Arrazabal, Nieves
Cabrera. Argentina / Holanda / França / Espanha / Alemanha, 2008.
84min.
Farrel é um homem solitário e desiludido. Faz vinte anos que trabalha
em navios de carga, bebendo até o limite do esquecimento, sem amigos
ou namoradas. Quando o navio aporta em Ushuaia, cidade do extremo sul
da Argentina, Farrel pede ao capitão para descer. Ele deseja descobrir
se sua mãe continua viva. Ao chegar ao vilarejo coberto de neve onde
cresceu, Farrel descobre que sua mãe ainda vive, e que alguém mais
agora faz parte da família. Exibido na Quinzena dos Realizadores do
Festival de Cannes 2008.

(LEP) - 14 anos
DOM (28/9) 17:00 Espaço de Cinema 2 [EC215]
DOM (28/9) 21:30 Espaço de Cinema 2 [EC217]
SAB (27/9) 16:50 Est Vivo Gávea 5 [GV506]
SAB (27/9) 21:50 Est Vivo Gávea 5 [GV508]
SEG (29/9) 21:00 Cine Santa []

PONYO ON THE CLIFF BY THE SEA
(Gake no ue no Poniyo)
de Hayao Miyazaki. Animação. Japão, 2008. 101min.
A peixinha Ponyo vive no fundo do mar com o pai e as irmãs, e sempre
teve muita curiosidade para saber como era o mundo fora dali. Um dia,
pega carona numa água-viva para subir à superfície. Chegando lá, é
capturada por uma rede de pesca e se perde no meio da enorme
quantidade de lixo boiando no mar. Felizmente, é resgatada por Sosuke,
menino de 5 anos que vive num rochedo à beira-mar. Ele promete cuidar
dela pra sempre, mas o pai peixe está determinado a recuperar a filha.
Inspirado em A Pequena Sereia, de Hans Christian Andersen. Em
competição no Festival de Veneza 2008.

(LEP) - Livre
SEX (3/10) 23:45 Espaço de Cinema 1 [EC151]
SEX (3/10) 12:15 Espaço de Cinema 1 [EC146]
QUA (8/10) 14:00 Est Vivo Gávea 5 [GV549]
QUA (8/10) 19:00 Est Vivo Gávea 5 [GV551]

SAD VACATION
(Saddo Bakeishon)
de Shinji Aoyama. Com Tadanobu Asano, Eri Ishida, Aoi Miyazaki, Joe
Odagiri. Japão, 2007. 136min.
Kenji tem um passado trágico. Quando era adolescente, sua mãe
abandonou a família e seu pai cometeu suicídio. Além disso, ele
cometeu um assassinato, e um amigo da Yakuza foi preso em seu lugar.
Hoje, Kenji vive de conduzir bêbados às suas casas e de ajudar
gângsters a transportar imigrantes ilegais. Porém o destino guarda
algumas surpresas: em apenas alguns dias, Kenji conhece a futura mãe
de seu filho e reencontra sua própria mãe, que agora tem uma nova
família. Submetido à força dos laços familiares, ele terá que
enfrentar ao mesmo tempo seu passado e seu futuro.

(LEP) - 14 anos
QUA (8/10) 16:15 Espaço de Cinema 1 [EC181]
QUA (8/10) 21:15 Espaço de Cinema 1 [EC183]

TOKYO SONATA
(Tokyo Sonata)
de Kiyoshi Kurosawa. Com Teruyuki Kagawa, Haruka Igawa, Kyoko Koizumi,
Koji Yakusho. Japão / Holanda / Hong Kong, 2008. 119min.
Aparentemente, esta é uma típica família japonesa. O pai, Ryuhei, é
despedido e esconde o fato de todos. O filho mais velho, Takashi, está
cada vez mais distante do lar. Kenji, o mais novo, está na
pré-adolescência e entra em conflito com os pais em busca de
auto-afirmação. A mãe, Megumi, por sua vez, sente dificuldades em
seguir cumprindo seu papel de força agregadora. Quando Kenji decide
deixar de pagar por sua alimentação escolar para freqüentar um curso
de piano às escondidas, o colapso da família vem à tona. Prêmio do
Júri na Mostra Um Certo Olhar do Festival de Cannes de 2008.

(LEP) - 14 anos
QUA (8/10) 18:50 Espaço de Cinema 1 [EC182]
QUI (9/10) 14:00 Est Vivo Gávea 5 [GV553]
QUI (9/10) 19:00 Est Vivo Gávea 5 [GV555]
QUA (1/10) 16:00 Est Barra Point 1 [BP127]
QUA (1/10) 22:00 Est Barra Point 1 [BP130]

SUKIYAKI WESTERN DJANGO
(Sukiyaki Western Django)
de Takashi Miike. Com Koichi Sato, Hideaki Ito, Yuseke Iseya, Quentin
Tarantino, Masanobu Ando. Japão, 2007. 121min.
Há séculos, o clã branco Genji, liderado por Yoshitsune, e o clã
vermelho Heike, liderado por Kiyomori, batalham por um lendário
tesouro enterrado em uma remota montanha. Esta guerra permanente
acabou por esvaziar o lugar, que é praticamente habitado apenas pelos
remanescentes dos grupos. Um dia, um estranho sem nome, taciturno e
solitário, chega à cidade. Suas habilidades com a arma são
impressionantes e seus tiros, certeiros. Os dois clãs fazem de tudo
para cooptá-lo para o seu lado da guerra. Mas o forasteiro tem motivos
bem mais profundos para estar naquele lugar.

(LEP) - 18 anos
TER (7/10) 12:30 Espaço de Cinema 2 [EC267]
TER (7/10) 24:00 Espaço de Cinema 2 [EC272]
QUI (9/10) 15:45 Est Barra Point 2 [BP267]
QUI (9/10) 20:15 Est Barra Point 2 [BP269]

GLÓRIA AO CINEASTA
(Kantoku Banzai! )
de Takeshi Kitano. Com Beat Takeshi, Tohru Emori, Kayoko Kishimoto,
Anne Suzuki. Japão, 2007. 104min.
Após anunciar publicamente que não fará mais filmes de gângster, o
cineasta Takeshi Kitano tenta criar um filme que agrade a todos os
gostos e seja um sucesso comercial. De dramas neo-realistas a filmes
de artes marciais, passando por melodramas românticos e pelo terror,
ele tenta de tudo. No entanto, nada dá certo, e os produtores recusam
sucessivamente seus projetos. Quando, enfim, consegue realizar a
última de suas idéias, uma série de eventos imprevisíveis bota em
cheque a vida na Terra. Agora Kitano precisa não apenas terminar seu
precioso filme, mas salvar o planeta.

(LEP) - 14 anos
QUI (9/10) 15:15 Espaço de Cinema 3 [EC389]
QUI (9/10) 23:45 Espaço de Cinema 3 [EC393]
SAB (4/10) 14:00 Palacio 2 [PL235]
SAB (4/10) 18:10 Palacio 2 [PL237]
SEG (6/10) 20:15 Est Barra Point 2 [BP254]

AQUILES E A TARTARUGA
(Akires to Kame)
de Takeshi Kitano. Com Beat Takeshi, Kanako Higuchi, Yurei Yanagi, Reo
Yoshioka. Japão, 2008. 119min.
Desde criança, Machisu, filho de um rico colecionador, sonha em ser
pintor. Obstinado, mas sem talento algum, o menino passa os dias
pintando. Quando o pai morre, Machisu trabalha duro para entrar em uma
escola de arte, onde conhece gente como ele e recebe suas primeiras
críticas negativas. No amor de Sachiko, encontra força para seguir em
frente. Casa, tem uma filha e continua pintando com a ajuda da esposa.
Já velho, Machisu ainda não conseguiu vender um quadro, mas suas
tentativas de obter reconhecimento só se intensificam. Em competição
no Festival de Veneza 2008.

(LEP) - 10 anos
TER (7/10) 17:00 Espaço de Cinema 2 [EC269]
TER (7/10) 21:30 Espaço de Cinema 2 [EC271]
DOM (5/10) 14:00 Est Vivo Gávea 5 [GV537]
DOM (5/10) 19:00 Est Vivo Gávea 5 [GV539]

LES AMOURS D'ASTRÉE ET DE CÉLADON
(Les Amours d'Astrée et de Céladon)
de Eric Rohmer. Com Andy Gillet, Stéphanie Crayencour, Cécile Cassel,
Mathilde Mosnier. França / Itália / Espanha, 2007. 109min.
Em uma bela floresta, no tempo dos druidas, Astrée e Céladon encontram
o amor verdadeiro. No entanto, Astrée é enganada por um pretendente,
que diz ter seu amado a traido. Horrorizada, ela declara nunca mais
querer vê-lo. Céladon, desesperado, se joga no rio. Dado como morto, o
jovem é secretamente salvo por ninfas. Mas, preso às promessas de
nunca mais ver Astrée, ele precisará enfrentar diversos desafios para
quebrar a maldição e, enfim, viver ao lado da sua amada. Inspirado no
clássico L'Astrée, de Honoré d'Urfé (Século XVII). Exibido em
competição no Festival de Veneza 2007.

(LEP) - 14 anos
SAB (4/10) 14:15 Espaço de Cinema 1 [EC153]
SAB (4/10) 19:00 Espaço de Cinema 1 [EC155]
SEG (6/10) 16:30 Est Vivo Gávea 5 [GV542]
SEG (6/10) 21:30 Est Vivo Gávea 5 [GV544]
TER (7/10) 20:00 Est Barra Point 1 [BP159]

algumas fotos de um filme bom

2008-09-17T14:05:00.003-03:00

" Rua da Mão Dupla" de Cao Guimarães

que medeski

2008-08-27T12:29:00.002-03:00

No domingo, aniversário do Léo, o Fil me deu o toque de que iria rolar um showzão aqui no Canecão. Um troço chamado "medeski". "Acho que é Medeski, Martin e Wood, um trio". Googles após, chego até a bomba: trio de NY que toca o que eles definem como "avant groove". Relevando o rótulo besta "porém bem preciso", se revelou ao meus ouvidos um som que se esboçava no intrumental do Beastie Boys do Check your Head, mas que poderia definir como tipo-BB-instrumental com a mesma alegria de tocar porém com muito mais capacidade como músicos. Os caras são fodaços e tão aí desde 1992. Ouvi dois discos The Dropped e o Let´s Go Everywhere. Este último, feito pra crianças. Uma pérola. A música-título é uma das coisas mais agradáveis de ouvir e dançar que me chegou aos ouvidos em muito tempo. Achei eles tocando The Train Song pra criançada:

ontens

2008-07-28T14:10:00.002-03:00

A Questão Humana me deixou com uma pulgona atrás da orelha. Não consegui saber onde me colocar diante do filme. O jogo meta-linguístico dele é impressionante e obscuro, às vezes decodifico, às vezes não, e me parece estar aí a questão. A decodificação, o código e a técnica, no caso, do cinema, da comunicação. Parece que o filme quer torcer a linguagem, torcer o cinema por dentro. Me joga pra trás à cada plano, me fazendo reavaliar o meu juízo sobre o anterior. Revisão urgente. (na verdade, todo o filme te pede revisões, do seu lugar como espectador, do seu lugar social, como figura produtora de discursos). É um filme pungentemente político, que questiona nossos lugares na polis. Vou ler os vários textos por aí e voltar a ele, ver se ele me escapa menos. Fiquei bem desorientado após a sessão.

***

O Batman é razoável. Bons personagens. Um bom ator se divertindo com o ótimo personagem que o Coringa é e um diretor que não sabe filmar cenas de ação. Um desperdício, me pareceu. Depois de 90 minutos me cansou, daria dois bons filmes de 80 minutos, separando o Duas Caras. Pelo menos é bem melhor que o Begins. Mas não chega perto do Tim Burton de 1989.

Marionetes da semana

2008-07-25T14:28:00.004-03:00

Gostei de conhecer o cinema do Reygadas, depois de tanto ouvir falar. Pretensiosíssimo, mas é bacana alguém que se ache o fodão, uma certa modéstia lugar-comum enche o saco às vezes nas artes. O rapaz quer fazer cinema sagrado. Acho que o Maria do Ferrara resolve esse lance da crença melhor, mas gostei de conhecer o mexicano. è interessante essa dinâmica crueza-controle excessivo no filme. Suscita questões éticas, parece que tudo é em nome do cinema, é preciso deixar o cinema passar, personagens, trama, vida, esperem: o cinema vem aí arrebentar. Por isso ele me parece menos capaz do que pensa que é, mas faz um cinema bom de ver, com alguns bons enquadramentos e às vezes, quando escapa um sopro de vida, quando alguém não é oprimido pelo projeto-artístico-cinematográfico do rapaz, o filme tem ótimos momentos. Pede uma revisão.

***
Filme do Chabrol bem bacana. Trama, literalmente: costura, rede de relações. É bacana como as marionetes dele acabam dando a volta, o filme parece ter mais carinho por elas do que o Reygadas mantém com os dele. Isso faz bastante diferença. Dá pra sentir o Chabrol se divertindo. O filme exala um sorriso-a-se-soltar. Gosto do acordo que ele estabelece com a gente, do registro, do nível preciso do faz-de-conta. E que final. Viva os filmes com final!

Extratos de tarachime, de Naomi Kawase

2008-05-09T15:08:00.003-03:00

Ao agradável

2008-05-04T23:58:00.003-03:00

Tenho pensado muito na relação de cachorro atrás do próprio rabo que a academia estabelece consigo mesma. Tenho ficado muito desanimado por não conseguir postar nada por aqui. Juntemos o útil ao agradável: vai então o "resumo expandido" que mandei pra tentar apresentar na SOCINE, em Natal, em outubro. Aí vai:

"Jonas Mekas: subjetividade como movimento

Em 1949, o exilado Jonas Mekas chega à Nova Iorque procurando um lugar para se reconstruir, para fincar raízes. Compra uma barata câmera 16mm para gravar suas impressões daquele lugar tão diferente de sua terra natal. Nos anos 60, Mekas se torna figura de destaque dentro do Novo Cinema Americano, atuando como crítico, exibidor e realizador. Porém, o foco o meu trabalho é analisar sua principal obra audiovisual: seus filmes-diário, os “Diaries, Notes&Sketches”. Me ocuparei de como estes filmes funcionam como “invenções de si” e como, neste processo, eles expressam mobilidade, ao invés de fixidez.

Os filmes-diário são constituídos por momentos ordinários. Constituem-se como um fluxo de curtíssimos fragmentos de imagens, entremeados por cartelas, e acompanhados por uma narração em voz over, feita por Mekas anos depois das imagens. O intervalo entre a imagem e o comentário-over chega a 27 anos. Vemos momentos banais enquanto que a voz de Mekas vai revisitando aquelas imagens, às vezes comentando, às vezes divagando, às vezes buscando algum sentido nelas.

A inscrição do autor nestas imagens é mais indireta do que direta. Mekas não está dentro do quadro o tempo todo. Está presente pelo modo como a câmera filma, como intermediário entre o espectador e a cena. Suas imagens são traços de experiência, marcadas pela relação da câmera com as cenas. Seu diário aponta para “fora” para constituir a si mesmo. Os filmes-diário propõem uma maneira de fazer audiovisual em primeira pessoa que se afasta do modelo confessional, que procurava descrever um “interior”, e ocupam-se de um “exterior”, onde é ressaltada a relação que o sujeito-câmera estabelece com este “fora”.

Estes filmes nascem da decisão de transformar filmagens caseiras, cotidianas, em obra. Estão, ininterruptamente, “em produção”. Mekas nunca pára de filmar A partir do momento em que transforma uma ação cotidiana em arte, sua a vida e sua obra passam a se confundir e a se retro-alimentar. Ao mesmo tempo em que cria um sujeito a partir de seus filmes, estes alimentam sua personalidade, sua identidade, pois funcionam como “agentes de memória”, como uma espécie de cérebro que arquiva ou esquece.

Preservar, fixar, guardar: este é o impulso fundamental do documentário segundo a análise de alguns dos seus principais teóricos, como Bill Nichols e Michael Renov. Deste desejo nascem também os filmes-diário de Jonas Mekas. A partir de uma história de sucessivas perdas, gravar suas memórias em filme lhe daria um arquivo fixo, que não mais poderia lhe ser arrancado. Entretanto, com o passar do tempo, com o afastamento temporal daquelas experiências guardadas em emulsão, Mekas percebe o fracasso de guardar através de filme. As experiências vão perdendo seu sentido e passam a se tornar “somente imagens”. Tornam-se a evidência de uma perda, de uma ausência que a passagem do tempo submete todas as coisas. Ele se dá conta que as experiências são contingentes, que estão circunscritas ao momento de sua manifestação.

Partindo do desejo de preservação, esta obra se torna a apresentação de uma perda, de uma ausência. Os filmes se equilibram entre uma retrospectiva do passado irrecuperável e um prazeroso e provisório controle sobre sua reorganização, entre o desejo de retenção na representação e a perda experimentada.

Mesmo fracassando em dar concretude, fixidez, à experiência vivida, a possibilidade da auto-invenção não é anulada. Os filmes funcionam como “depósitos de memória” que passam a ter função, a ter “vida”, na medida em que a revisita (momento da edição/narração) acontece. Nessa “segunda experiência”, Mekas representa a si, se apresenta através dos filmes, como processo, como sujeito em constituição permanente. Não está completamente nem no passado-imagem, nem no presente-voz, ele está entre os dois, sobre a instabilidade desta lacuna entre registros. É nesse movimento contínuo que sua representação do sujeito se baseia, entre passado e presente, entre som e imagem, entre matéria e memória."

Natureza Selvagem (Sean Penn, 2007)

2008-02-23T15:47:00.002-03:00

Fui com a maior boa vontade do mundo ver o filme novo do Sean Penn, Natureza Selvagem (Into the Wild). Gosto dele como ator. Sem acompanhar muito de perto, simpatizo com o figura. Não vi nenhum dos outros dois filmes que ele dirigiu. Mas nunca ouvi alguém falar mal.

Baixei a trilha sonora composta pelo Eddie Vedder e me empolguei. É linda, recomendo. Rise, Hard Sun são as maiores novas canções que ouvi este ano. E o filme começa bem, com as palavras escritas pelo protagonista sobre a imagem, lembrando “Nome Próprio”. Mas o que parecia um recurso interessante em relação ao registro do filme e às anotações do personagem, se revela uma ferramenta de pura “introdução” a história do filme.

E grande parte das coisas acaba funcionando assim dali em diante. O que seria a jornada de um jovem em direção ao desconhecido se torna a fuga de um rapaz totalmente exemplar dos seus pais-american-way-of-life-neuróticos. Penn não deixa a gente nem a gente experimentar aqueles vazios nem deixa o personagem ser outra coisa do que ele parece. O McCAndless-Supertarmp de Penn é desinteressante. E ficar duas horas e meia acompanhando suas desventuras motivadas por seus traumas familiares cansa rapidinho.

A crítica à vida em sociedade proposta por Penn vai por água abaixo na medida em que ele nunca esquece dela, tudo se baseia e se justifica nela, ele não se livra das categorias, dos esquemas pré-determinados da famigerada “society”. A narração onipresente da irmã e os flashbacks da família tornam um filme que tematiza a liberdade um tanto esquemático.

Me fez pensar nos cinema brasileiro. Acho que este filme sofre de problemas parecidos. Mas não sei se é exatamente falta de coragem ou de clareza. Penn não deixa nada desamarrado. Os “clips” do rapaz se divertindo na natureza são a coisa menos pior do filme, ali procura-se uma sensação, a gente chega até aquele personagem por outro lugar, diferente da opressão-dominadora-da-sociedade-competitiva-capitalista. E o filme começa prometendo muito, tem diálogos muito bem filmados, fragmentando os corpos, não dando o todo, me instigou nos primeiros minutos – mas durou pouco. Desculpem o veneno, mas este filme faria o maior sucesso com a galera “E-Brigade”

Além do Vedder – que fica melhor se a gente não tenta entender todas as letras das canções – fica anotado o nome do fotógrafo Eric Gautier no meu caderninho. Ele fez o que pode pra deixar o filme lindo e interessante.

Adendo: curiosamente as críticas americanas que li foram super elogiosas ao filme. E as européias não. Acho que isso diz um pouco sobre as intenções políticas do filme e de uma parte da crítica americana. Não sei exatamente o quê.

De uma carta

2008-02-19T00:56:00.003-03:00

Eu já escrevi esse post algumas vezes. Escrevi sobre Tiradentes, escrevi sobre as peças que vi semana passada, sobre o filme dos Coen, sobre "Sábado à Noite". Entretanto, ontem estourou uma bomba um pouco antes d'eu ir dormir. Peguei no banheiro da minha mãe um livro chamado Encontro Marcado, de Fernando Sabino - de quem eu nunca li nada mas tenho extrema simpatia, indireta, por conta da relação dele com a Clarice Lispector, e em proporção muito menor, por eu achar que ele era também capixaba como eu, o que não é verdade. Abri o livro e me deparei com o seguinte texto que quero deixar pra abrir o ano neste blog, com desejos de que seja um ano fértil neste cantinho virtual. Foi um baque ontem pra mim me deparar com este trecho. Aí vai o epígrafe de Encontro Marcado (1956):

"O homem, quando jovem, é só, apesar de suas múltiplas experiências. Ele pretende, nessa época, conformar a realidade com suas mãos, servindo-se dela, pois acredita que, ganhando o mundo, conseguirá ganhar a si próprio. Acontece, entretanto, que nascemos para o encontro com o outro, e não o seu domínio. Encontrá-lo é perdê-lo, é contemplá-lo em sua liberrérima existência, é respeitá-lo e amá-lo na sua total e gratuita inutilidade. O começo da sabedoria consiste em perceber que temos e teremos as mãos vazias, na medida em que tenhamos ganho ou pretendamos ganhar o mundo. Neste momento, a solidão nos atravessa como um dardo. É meio-dia em nossa vida, e a face do outro nos contempla como um enigma. Feliz daquele que, ao meio-dia, se percebe em plena treva, pobre e nu. Este é o preço do encontro, do possível encontro com o outro. A construção de tal possibilidade passa a ser, desde então, o trabalho do homem que merece seu nome"

(De uma carta de Hélio Pellegrino)

Primeiras notas sobre o Festival do Rio

2007-10-20T21:44:00.000-03:00

Vi poucos filmes no Festival do Rio. Mas lamentar mesmo, só lamento o Tsai e o "I´m not there", e a falta de surpresas. Vou despejar algumas impressões, pra relaxar destes dias em que tenho escrito coisas não tão agradáveis para fins escusos.

Faço agora o que não faço em geral em outras partes da minha vida: começo pelo melhor: "Síndromes e um Século". Primeiro, como um filme pode se chamar assim? Como pode ser a experiência modificadora e inesgotável que ele é.

Pra quê servem os filmes? Vendo Ozu, tenho a mesma sensação que tive com esse Apichatpong. Não penso no cinema. Estes filmes me jogam violentamente pra vida, aponta pra ela, a ressignificam. O cinema é pequeno porque a viver é grande. O cinema é grande porque a vida é pequena. O cinema como duplo, como reitereção, como o mesmo, repetido porém modificado, como segunda presença, como dois pontos paralelos em uma espiral, nos círculos claro e escuro de um eclipse. O número é sempre dois, o Apicha faz os pares dançarem na cabeça da gente, não deixando parar nada quieto, nenhuma conclusão, tese, ou diretriz. Deixa uma crença na vida, no desconcerto natural das coisas, no ritmo oculto do mundo que se apresenta num sorriso. Definitivamente Síndromes não me leva pro cinema, mas definitivamente, saio da sala uma pessoa muito melhor - apesar de não saber como, sinto.

***

O filme da Kawase demorei pra digerir. Porque é um filme sem curva, seu extra-campo é muito pesado, carrega todo o sofrimento do mundo. É um filme fora-do-mundo. Sobre a presença da morte no mundo dos vivos. É uma dança da morte, a procura dela no mundo dos vivos. a dimensão do filme parece a interseção entre os dois mundos. Aí ele faz mais sentidos. Mas ele precisa dessa pressão do "fora"pra se intensificar, pra acontecer. Bom filme.

***

Paranoid Park é meu vice. Filme de skate. É muito gostoso assistir certas imagens do Van Sant/Doyle. Paranoid torna isso divertido. Parece um filme mais maduro, menos encantado com o dispositivo - acho que foi o Fábio que notou isso. Divertir-se é um sinal de maturidade, um passo importante na política do Gus. O Fellini em si é que eu não encaixei ainda, mas vou ver de novo, nem que seja no emule. Grande filme. De longe o que ele conseguiu dar a melhor presença a esse "ser jovem" (até que o duplo sentido por acaso ficou bom).

Olhar pra fora

2007-09-06T20:56:00.000-03:00

Eu fiz três habilitações dentro do curso de Comunicação Social. Na ordem: Publicidade e Propaganda, Jornalismo e Cinema. Desde que entrei, ouvia-se falar que ia ter curso de cinema. Isso foi em 2000. Entrei pelo Enem. Não fiz vestibular.

Escolhi PeP por que achava que tinha facilidade com as palavras e que podia ganhar grana com criatividade. Um pouco desiludido com meus colegas e pensando em ampliar meus horizontes e possibilidades pós-Puc, fui fazendo, como eletivas, as matérias de Jornalismo. Cumpri os créditos do jornalismo em um ano. Os dois cursos me ensinaram. Os anos de faculdade, não exatamente as aulas específicas com essas ênfases, me ensinaram.

Pra você se formar tens que fazer um negócio chamado Projeto Experimental. Fiz três. Na PeP , fiz um documentário: Largo da Memória. No de jornalismo, fiz outro: Maneco. Em 2005, comecei a habilitação de cinema lá. Primeira turma. A gente fazia aula de direção com o Eduardo Escorel. Numa aula, o Chico Vereza sugeriu que fizéssemos um exercício prático baseado no filme que tínhamos acabado de ver em em aula, "As 5 obstruções". O filme traz 4 versões de um curta, feitas pelo mesmo diretor do curta original ("The perfect human" do Jorgen Leth"), seguindo restrições dadas por seu admirador Lars von Trier - que dirige o curta final.

Faltava então, a idéia do curta original. Me candidatei na aula seguinte. Tinha um texto que escrevi meio que sem propósito, sobre um rapaz à espera de um telefonema dentro de um quarto, que achei que dava pé. Ninguém apareceu com algo melhor e que fosse tão simples de fazer: um ator e uma locação.

Fizemos, durante um sábado, acho que começamos a gravar umas 9, 10 da manhã e acabamos tipo 14h, acho. Gastamos uma fita miniDV, uma hora de bruto - na verdade, gravei mais uns minutos, num outro dia, só de som, com as falas do Thiago (meu amigo e estreante nas telas, se não me engano). Lembro que cheguei de manhã, no apê, em Sta. Teresa, sábado de sol, caminhando sozinho até lá. Não saltei perto. Caminhei mais de 10 minutos, sob o silênci das 7 da manhã. É umas das melhores lembranças que tenho, esse pré-gravação. Era a primeira vez que exercitaria ficção em filme. Estava ansioso. Tinha desenhado planos no papel, feito uma decupagem, que a Anita, que foi uma assistente nota 10, ajeitou e tirou os 200 planos iguais que eu tinha posto na lista.

Fiquei lá no quarto alguns bons minutos. A casa, vazia. O povo começou a chegar, e fizemos. Dirigimos eu e o Chico Vereza, autor da iniciativa. Acho que foi bacana. Fiquei satisfeito. Editamos em dois dias, duas noites curtas. Não gosto de alguns momentos da edição. Mas gosto de alguns quadros, e de algumas partes, de alguns ritmos. Também de algumas idéias do roteiro, de como o ciclo se desenha, com a água, de como tematiza o dentro e o fora, o contato, da obviedade do quadro com o espelho, da textura do taco - o Brunele é o grande responsável pelo visual do filme. Mas o que gosto mais é que esteja feito. Fazer coisa é ir pra fora, as coisas não vivem dentro da gente. Realizar é criar um terceiro. É por isso que escrevo aqui.

Apresentar pra turma foi ótimo - lá fiquei realmente ansioso. As pessoas fizeram as versões depois, pena que a gente nunca juntou. Eu e o Chico fomos atores em uma delas, dirigida pelo Fábio e pelo Mikair. A experiência de fazer o filme foi muito legal, o ambiente foi bacana. Lembro de conversar com o Thiago, com o Brunele. Foi muito gostoso. É bom atualizar estas memórias.

Vai ser legal ficar velho e assitir este negócio. Por causa dele, fiz minha primeira ida a um festival concorrendo com filme, em Arraial d'Ajuda. Fazer é muito importante mesmo. Com rigor, de preferência - e o Janela certamente não é um exemplo disso.

***

Possuídos é mesmo um ótimo filme, Fabão. Tá na metade de cima da lista.

***

Momento da semana: Kid Morengueira na bicicleta ergométrica

ben simples

2007-08-25T22:49:00.000-03:00

Acho que tinha uns 16 anos. Já não ouvia mais meus seminais Guns ou Faith no More. Do grunge só sobrou Pearl Jam no coração. Biohazard e Body Count (e Judgement Night) levaram a Beastie Boys, que por sua vez, já tinham abrido minha cabeça em direção ao tamanho que o mundo podia ter. Lá em casa sempre rolou Caetano, Gil e afins. Desde que me entendo por gente. Mas até então nunca tinha entrado de cabeça nessa. (Apesar do Jokerman do Caetano no Circuladô e apesar desse show, que foi a primeira vez que fui no Canecão e vi um show e senti que aquilo era pra mim).

Minha mãe trouxe pra mim um cd. Ela veio de São Paulo. Cd com capa de cd velho - isso já naquela época. Meio feio, meio mal cuidado, com um malandro de boina, ajeitando ela, se achando. Vinil copiado pra cd, som chapado, sem nenhum cuidado mesmo. Chamava "O Bidu - Silêncio no Brooklyn". Aquilo mudou a minha vida.

É o quinto disco do Jorge Ben. Saí catando as coisas antigas dele - por acaso, naquele momento saiam na coleção Samba&Soul, o três primeiros dele - e o negócio não parou até hoje. Pra mim é o maior artista brasileiro. Acho que ele realizou sem aparentar esforço tudo o que os modernos queriam. E a fusão do Ben não parece mistura, tudo parece que nasceu daquele jeito.

De alguma forma, é o sucessor da linha suprema do música popular daqui, depois do Dorival e do João, a tocha volta pro Rio. Colhendo as conquistas desses anteriores mas sem reverência.

Depois de três discos de samba jazz (Samba Esquema Novo, Ben é Samba Bom, Sacudindo Ben Samba) com o genial Meirelles e os Copa 5, Jorge grava Big Ben em 65. Um disco mais solto porém ainda bastante ligado aos arranjos e sonoridades dos outros três, porém algo destoa completamente: O Homem que Matou o Homem que Matou o Homem Mau. Um rock a la anos 50, em resposta ao Homem Mau do Rei Roberto. O canal do rock só ia alargar nos próximos anos na obra do copacabanense. Mas talvez essa faixa do Big Ben seja o único rock "puro" - apesar da levada sincopada da batera - da fase pré-Benjor.

E aí, ele se muda pra São Paulo, um pouco sem lugar por aqui, sem reconhecimento, muito por causa da sua principal riqueza: não se sabe em que caixa botar esse negócio negócio. Samba não era, Jovem Guarda também não, Bossa Nova muito menos. E do encontro de um dos mais representativos cariocas de todos os tempos com São Paulo nasce a pérola que é o centro deste post. (Não por acaso a Tropicália teve de ir a São Paulo pra nascer.)

Acompanhado dos Golden Boys, com sua instrumentação rock, o homem pega a guitarra
e ali toma forma sua música. Falar que é samba-rock é muito redutor. São canções festeiras, brejeiras, carnavalescas, canções de amor, simples, que não distinguem os lá-lás dos proparoxítonos. Depois de passar três discos fazendo um pouco de esforço pra falar "voxê" - Xuxa nunca inventa nada - O Ben não deixa mais nada parecer artificial, a sua arte encontra seu lugar e sua forma. Simplicidade inimitável, o hits-chiclete que todo mundo sabe cantar pelo menos .... por baixo, cinco.

O digestão do rock em sua obra me parece que atinge seu ponto máximo no África Brasil de 76. Mas o Bidu tem um charme especial. É o turning point que vai dar dois anos depois em País Tropical e no desfile de hinos que ele passa a compor nesses 10 anos que se seguem. Jorge 63-76 não compete com nada mais na música brasileira, nenhuma obra produziu algo tão definitivo e atemporal. Inesgotável.

Esse é um post-homenagem, feito com sono e depois de duas tentativas frustradas - sempre que venta falta energia por aqui. Não agüentava mais a escrever posts mentais. Agora foi. O desejo é a assiduidade. Vamos ver.

***

Eu ainda não vi" O Mundo", mas o "Still Life" me deu uma aula sobre realismo e sobre história que tô bobo até agora. Logo, também, de política. Viva o cinema.

Acho que 2007 já tá bem barbada. Apesar de parecer um ano de bons filmes não vejo nada na frente. Mas vou conferir, de coração aberto. Até agora: Maria, Coeurs, Santiago, Maria Antonieta, Conquista da Honra, Iwo Jima, Zodíaco e alguns outros que agora não lembro. Ou não.

***
momento da semana: ouvindo "she´s leaving home" esperando o 157 cheio numa tarde ensolarada primaveril.

Superficial

2007-06-18T10:14:00.000-03:00

No ETV me deparei com um doc belíssimo chamado Tarachime. A Anita Rocha tinha me dado o toque que era imperdível e tal, e então dei uma semi-conectada ao que algumas pessoas já tinham me falado de um tal de Shara. O filme é lindíssimo, de uma força espantosa, de uma coragem e precisão muita profundas - como escrevi no texto pro DocBlog que está aqui num post mais antigo.

Tenho baixado muitas coisas. E ficado um pouco culpado por não assistí-las. Sábado decidi tirar um pouco o atraso. Assisti o Embracing, o primeiro filme da miss Kawase, e Suzaku, primeiro longa de ficção, ganhador da Câmera do Ouro em Cannes 97. Meu deus. A mulherada tá demais mesmo. Kawase parece que já nasceu sabendo. Embracing já tem um raciocínio fantástico sobre imagem, perda e experiência. Muitíssimo Mekas, talvez a coisa mais parecida com o lituano que eu já vi, porém aqui o trauma é outro, e há a busca, uma meta. Ela corre atrás da lacuna de maneira direta. O verbo é ruim, mas de alguma forma ela quer resolver: quer encontrar seu pai verdadeiro. É um filme que necessita revisão urgente. O final é de tirar o fôlego. O jogo do nome é interessantíssimo porque "abraçar" é tudo o que os japoneses não fazem, o abraço está no extra-campo da vida deles. A cena da despedida no Suzaku tem um peso profundo, uma atmosfera crítica e densa muito por causa do abraço que não se dá. A questão da contenção me pega de jeito mesmo.

Suzaku é um filme maduro. Com uma certeza de vida e de cinema muito profunda e delicada, uma espécie de grossa raiz aérea. Junta muita coisa boa, me lembra coisas que gosto muitísisimo: Kitano pela música, por alguns tempos e ternuras, especialmente aquele road movie feliz de que gosto mas esqueci o nome agora, Hou Hsiao-Hsien pelo quadros, pela fluência e simultaneidade, Jia Zhang-Ke por motvos parecidos, pelas panorâmicas e outros que agora não me lembro.

Mas o que mais me chama atenção e arrisco a identificar uma característica "japonesa" nos cineastas nipônicos que tenho tido mais contato, principalmente Suzuki, a questão do espaço, do fora. Cinema e arquitetura mesmo. Isso é um assunto pra muitos posts, e acho que o Rossellini me parece muito importante nisso: o cinema não tem necessidade da interioridade, da personalidade do que se chama de "dentro", a identidade, que se supõe "dentro" não é um valor tão grande assim, e me ela parece uma falsa questão. O fora é profundamente potente, e é o domínio do cinema por excelência. Olhar é conhecer. E, se sentir falta do conceito, o fora tem interioridade também, tem espessura. O fora tem fora também , o extra-campo. Um brinde à exterioridade, à força da superfície. Obrigado, Naomi.

Íris aberta

2007-06-02T15:16:00.000-03:00

Olá.

Não tenho conseguido postar coisas aqui com assiduidade. Nâo tenho conseguido me organizar para tal, mesmo tendo assumido pra mim mesmo este espaço como como lugar pra textos que nascem muito na hora, no ato, que se formam a partir do vai saindo. Mas fico um pouco decepcionado por isto. Tenho pensado muito em escrever sobre música. Estou me devendo isto.

Mas agora me deparei com um negócio que pra mim é super interessante, e um pouco constrangedor. No meu computador existem algumas anotações que faço, um pouco aleatórios sobre coisas que tenho vontade de fazer, principalmente me filme. Tenho pensado muitas coisas na rua prum próximo filme com atores, roteiro, e aquilo tudo - torço para que "aquilo tudo" seja constituído por cada vez menos pessoas. Pensei há 10 minutos: vou aproveitar que estou aqui um pouco de bobeira e escrever as pequenas idéias que tenho tido sobre este próxio filme. Abri um arquivo chamado "anotações sobre próximo filme" ("sobre " me parece uma palavra essencial aí). Foi muito interessante ler. Não compreendo bem algumas coisas. Talvez seja legal para outros também. Aí vai:

"história com personagens mulheres
a passagem do atravessar a rua, o olhar e a morte
a questão do toque, da vontade de tocar, da dificuldade de tocar, do mundo que existe e pesa na ponta dos dedos na hora do toque
a memória coletiva, impessoal
o espaço
os espaços
mostrar o essencial, mas não o mais importante
o que é o mais importante?
não mostrá-lo, sugerí-lo
ele cabe na imagem?
filme é importante?
a importância dos instrumentos, dos meios
filme e transportes (iguais? equivalentes?)
o confessional (figures)
a presença, qual a importância dela ou da falta dela (cinema) (será?)
o espaço vazio
o espaço onde deveria estar algo
o vazio-lacuna, o vazio-ausência
os objetos lisos, os metais, os vidros, as trasparências
os caminhos e as vias (liang)
os meios de interação
a percepção dos fragmentos
“o que eu deveria”
a 1a pessoa
o que não fiz
Nâo Fiz
e o que a memória diz sobre isso, sobre o que não fiz? sobre o que já está perdido
voz que fala é a de quem fez esse filme. como se a memória fosse um filme, uma organização de fragmentos que tem uma relação íntima entre si e com essa pessoa que fala
o cheiro, o nariz cheirando
imagens-sentido
imagens-experiência
fragmentação tornando o lugar comum abstrato
passeio no bosque
banho de rio
cheiro de chuva
o vento
o vento"

Ai, que vergonha. Mas, sei lá, de repente sirva pra alguém, até como comédia. A questão do "sobre" é um pouco como as coisas servem como ferramentas pra se dizer o que se quer. Talvez a velha discussão "forma e conteúdo". Talvez. Porque isso que escrevi aí em cima é sobre, em cima de nada. Não há roteiro, ou a mínima ação esboçada. Muitas das coisas aí já estão descartadas pra um filme que tenho imaginado mais ultimamente. Mas acho curioso enquanto começo, centelha. Tenho muito interesse em saber como é esse processo pras outras pessoas. Até pra essa pessoa que escreveu essas anotações há uns meses atrás.

O corpo no poder

2007-04-24T00:26:00.000-03:00

Em 2005, procurando um filme pra ver com uma amiga que não encontrava há muito, escolhi um tal de "Desejo e Obsessão", que devia ter três ou duas estrelas e uma sinopse tão genérica quanto o título. Imagino que o que pode ter me levado àquela seja o fato de que tinha assistido o "Buffalo 66" e principalmente, o"Brown Bunny" - este numa controversa sessão no Festival do Rio.

Entrei na sala 1 do Estação Botafogo e não lembro mais de nada além do filme. Não havia nada a dizer, nem dentro nem, fora do filme. Aquilo era diferente de tudo o que eu havia visto em cinema até então. Descrever essa experiência era muito próximo de descrever um sonho, quanto mais falamos mais nos damos conta do quanto o quê estamos falando não dá conta. Me envolvi com aquilo e não sabia por quê. O filme continuou em mim. Caminhando pra fora da sala, eu levei aquele negócio no estômago por alguns dias. Não era desagradável, era quase prazeroso, havia algo que esticava meu estômago, algo não identificado, mas que muito concretamente estava lá.

Hoje revi o filme. E tudo continua. Depois de ter visto os ótimos Chocolate e Em Direção À Mathilde, e as obras-primas Bom Trabalho e Sexta-feira à Noite(que intuo como sendo um dos meu top 5 geral), Trouble Everyday pulsa ainda com toda sua força aqui dentro. Claire Denis nos modula por uma hora e meia através daqueles bichos que somos naqueles espaços que habitamos. Tudo assusta e seduz. Estranho e familiar. Ser canibal é uma questão de modulação, de grau, é aumentar um pouquinho as corriqueiras mordidas carinhosas, é dar vazão àquela "vontade de apertar" que sentimos ao tocar ou ver bebês e filhotes e outros. Somos bichos: é preciso reiterar isso sempre, porque a vaidade do polegar opositor nos afasta dessa nobre condição.

Claire Denis faz cinema de estômago. Faz dança contemporânea - quem dança é a câmera. Citando o texto do Gardnier: faz cinema com a câmera. O resto é resto. O drama é a proximidade dos corpos, o contato, e mais do que tudo, o drama é nosso. Trata-se de um cinema profundamente consciente do espectador - como atesta o último plano do filme (Psicose fez muito bem ao cinema, é impressionante. O uso de Hitchcock como referência aqui é bastante sintomático. Ele botou o espectador no filme).

Há em Denis uma ética com os personagens, um respeito com seus personagens, com suas complexidades, com suas inexplicabilidades, e também com o espectador muitíssimo raros na história do cinema. Apesar disso, não se pode dizer que são filmes vazios - apesar de esse ser um dos principais riscos que esse cinema corre. São cheios. Preenchidos, por nós. Não se trata do arquétipo do artista moderno umbigo-hermético, trata-se de um cinema-arquitetura, que tece arcos, portais, janelas e relvas para que passemos. Não há nada por trás daquelas. O que existe somos nós, na frente delas, e é isso que faz o cinema cinema.

°°°

No mês que vem o CinePuc comemorará seu terceiro aniversário exibindo 4 filmes dela. Desejo e Obsessão certamente será um deles. Vai ser um prazer.

°°°

Ouvi dizer que o documentário está vivendo uma moda da "aparência de videoarte"(termo meu, mas o sentido é esse mesmo). Estou preocupado.

°°°

Som do dia:

barbada: Tindertsticks, autores do título e da trilha sonora do filme tema do primeiro post. Especialmente as três notas do tema principal do filme. Arrepia. Baixe e confira: Trouble Everyday

all I really wanna do

2007-04-11T00:09:00.000-03:00

estou um pouco sem tempo pro meu recém-blog querido, mas venho por meio desta declara uma carta de intenções. sempre gostei de índices. e durante vários momentos do dia penso em coisas que seria bacana escrever por aqui. então aqui vai: lista de coisas que pretendo e gostaria de escrever por aqui:

teletransporte
anjo exterminado
bahamas, dylan e pennebaker
cartas não escritas e o correio
sobre os links que botei na página. por quê pus

tem mais um monte de coisa que agora não lembrei. vou dormir agora, e na yoga amanhã tudo volta pro lugar.

***

estou muito impressionado pelo Alemanha Ano Zero. não lembro agora de um final de filme tão bom. parece que ele concentrou tudo nos 2 primeiros terços pra fazer um final cinema-cinema. meu deus.

***

que feliz que o Santiago vai entrar em circuito. ver no IMS vai ser a melhor video-instalação do ano.

***

Fitzgerald, quando parou de escrever, passou a escrever só listas. eu gosto cada vez mais delas. cada vez faço mais.

é abril, tenho que comprar uma agenda.

***

amanhã pretendo fazer as pazes com a sala de cinema.

***

terça intensa: fiquei muito impressionado com o texto do Blanchot sobre a solidão. merece ser lido com muita atenção.

uma das coisas mais lindas, que mais me comovem, e que me estimulam no mundo das idéias é encontrar gente que trata de intuições, de sensações que a gente têm, e fala disso de modo que alimente nossa experiência de si - e de tudo mais. não estamos só sós.

***

frase do dia:

(de manhã, de baixo do viaduto do Rebouças na jardim botânico - que acho muito bonito, especialmente à noite)

"all I really wanna do
is , baby, be friends with you"

É tudo mentira

2007-04-02T23:22:00.000-03:00

opa.

estou animado com esse negócio aqui, tenho pensado nisso. sobre o quê é isso? qual é o específico do blog... vou sair fazendo e depois descubro.

***

outro dia, lendo o imagem-tempo do Deleuze, me deparei com uma passagem que achei muito bonita, e que me falou precisamente de algo que não tinha sistematizado e que acho que tentei, sem saber, fazer no "...":

"mas às vezes, ao contrário é preciso fazer buracos, introduzir o vazios e espaços em branco, rarefazer a imagem, suprimir dela muitas coisas que forma acrescentadas para nos fazer crer que víamos tudo. É preciso dividir ou esvaziar para encontrar** o inteiro." (pg. 32 da edição mais nova, da Brasiliense")

***

hoje me dei conta de que algumas pessoas das quais avisei que escrevi textos no DOcBLog, podem não ter lido os textos por conta de ter que se cadastrar no Globonline. Entendo. Demorei muito pra me registrar também. É um saquinho mesmo.

Como ainda não sei como obrigar cadastro aqui, vou colocar os textos que mais gostei para que quem quiser possa ler sob anonimato. Um dos textos que vou colocar eu não gostei muito, mas coloco por pedido de amigos.

Aí vai:

A flor da pele

Tarachime(Naomi Kawase, Japão, 43', cor, Beta digital, 2006)

Naomi Kawase é uma premiadíssima diretora japonesa cujos trabalhos dificilmente chegam por aqui. Bola dentro do ETV que trouxe seu filme mais recente, Tarachime, para a mostra Horizonte. Kawase já filmou a sua busca pelo pai que a abandonou na juventude, um perfil da sua vó Uno, e sua correspondência com o cineasta Hirokazu Kore-Eda. Kawase agora nos presenteia com esse pérola documental, onde ela narra o nascimento de seu bebê, a morte de sua vó, e seu olhar de filha e mãe sobre todas essas intensas experiências – e sua relação com a natureza e com o orgânico.

O foco de análise é o corpo: que envelhece, que gera, que definha, que floresce, que enruga, que morre, que acaricia, que nasce, que se acalma e que se explode. A câmera parece ser ligada umbilicalmente a Kawase, tudo é registrado, e assim tudo ganha vida, a partir de seu ponto de vista – até seu próprio corpo. Naomi filma o ciclo da vida a partir do corpo, da pele, de si própria, de sua vó-mãe e de sua filha. É da profundidade da pele em película, que Naomi extrai seu olhar sobre os caminhos do tempo em nós.

Ultra-sons, ultra closes das peles, digital, super 8, várias texturas que algumas vezes beiram o abstrato, nos dão conta da íntima relação entre dar a luz, nascer e morrer. Numa perpsectiva que remete ao mestre japonês Yasujiro Ozu, Kawase amarra esses temas com muita delicadeza e precisão. Tarachime é um filme no limite. À todo momento, o doc fica a beira do mau gosto, do exposto demais, do meloso demais, do “experimental” demais, porém atravessa com altivez essas corda bamba. Esse retrato íntimo da experiência de viver através do corpo feminino comporta, na mesa proporção, violência e ternura, beleza e asco, exposição e ocultamento.

Delicado, visceral e arriscado, Tarachime é pequeno grande filme que preenche a gente tanto de morte quanto de vida – numa linda homenagem à arte morta-viva por excelência, o cinema. E assim, a vida continua.

Lírico passeio pela tristeza

Alguma Tristeza (Alguna Tristeza, Juan Alejandro Ramírez, Peru, 41', 2006)

Alguma Tristeza pode ser chamado de uma “investigação poética” sobre um suposto sentimento de inferioridade sentido pelo povo peruano. Porém o resultado vai muito além. Usando uma estrutura que mistura road movie e autobiografia, onde os comentários narrados em off pelo diretor vão confrontando as diversas imagens – geralmente em movimento – da diversidade da vida peruana nas cidades e no campo, o filme passa longe da tese e explora a melancolia na sua maneira de narrar.

A tristeza que está no título do filme funciona como um véu sobre as imagens que vemos – aparentemente neutras e singelas. Trata-se de uma meditação sobre um certo estado de espírito. Uma investigação pessoal sobre uma ambígua melancolia que parece acometer o povo peruano - país no qual ele se sente também estrangeiro. O personagem do diretor – que nunca vemos mas sempre ouvimos – parece estar fazendo uma viagem de volta ao seu país, uma revisitação daquelas pessoas e de si mesmo. Pode-se notar uma clara influência dos filmes-diário de Jonas Mekas aqui.

O filme caminha lentamente, de personagem em personagem – marcados por algumas cartelas -, onde todos parecem sós e misteriosos sob essa lente que transforma tudo o que vê em memória. Os fatos nunca são concretos, os acontecimentos, incertos, porém o sentimento em questão é experimentado por nós espectadores em sua plenitude.

A derrota bastante questionável da mestiça seleção peruana de futebol nas Olimpíadas de 1936 é a imagem-base usada como ponto-de-partida para explorar essa tristeza. Porém, isso é quase só uma desculpa. Alguma Tristeza, passa longe dos clichês sobre a identidade dos países subdesenvolvidos, e sobre as causas de suas mazelas – e discute essas temas contundentemente - , e acaba por fazer um lírico ensaio sobre o tão universal oposto da felicidade. E para isso, o diretor peruano Juan Alejandro Ramirez esculpe o tempo com muita delicadeza e precisão. Somos embalados por esse constante embate do presente das imagens e por um certo passado que olhar da memória pressupõe, e pelo fluxo das imagens, quase sempre em movimento, como se essas identidades estivessem sempre assim, embaladas pelo vento.

Os eus e os outros

Fotografias (Andrés Di Tella, Argentina, 110', 2007)

O doc íntimo, em primeira pessoa, é uma das formas mais em voga da produção das últimas décadas. O vídeo deu o empurrão definitivo pra proliferação dessa forma. Andrés Di Tella é um dos que a adotam com freqüência em sua obra. Em Fotografias, ele tenta investigar a si mesmo através da busca de suas raízes familiares, principalmente em direção a sua mãe indiana, já falecida. A relação maior aqui, para constituir uma identidade através do cinema, é ligar a seu papel de filho com o seu papel de pai – do carismático Rocco.

Andrés parte para sua aventura a partir de sua própria casa. Busca, acompanhado de seu filho, fotografias de si e da mãe, vestígios dela, como cartas e objetos, num porão escuro. Com ajuda das fotografias, das imagens em vídeo e película feitas por sua mãe sobre a família e sobre sua terra natal, a Índia, ele parte na missão de se compreender melhor através da investigação sobre as lacunas mais obscuras de sua história familiar. Para isso, além do material de arquivo temos um registro do presente através do vídeo, e uma espécie de presente maior – que organiza todo o filme – dada pela narração em off feita pelo próprio diretor.

Na opção pelo filme-ensaio em primeira pessoa, o filme se perde um pouco. Talvez por causa de querer contar muita coisa no mesmo filme: sua história íntima, a história de sua mãe, de seu pai, da família ainda integrada, da família na índia, da cultura hindu, da sua paternidade, da sua relação consigo mesmo, dos indianos na Argentina, do racismo e do escritor Ricardo Guiraldes. A opção por relacionar sempre o geral e o particular termina por enfraquecer os dois. Mas há boas sacadas como quando diz que “isso eu não filmei”, relação endossada pela edição que insere telas pretas entre os blocos. E também no emocinante plano de sua mãe, ao vento de uma carro em movimento – que condensa vários eixos do filme. Nessa imagem, Di Tella perde a chance de terminar com precisão, e se estende por mais uns bons minutos, fazendo uma série de falsos finais nas suas quase duas horas de duração.

A construção de si - e do outro - arquitetada por Di Tella emociona pouco. Enquanto que a relação entre os níveis da narrativa raramente se complexifica. Fotografias nos pega mais por conta do carisma de Rocco e da montagem do material de arquivo - mas de às vezes carregar a mão no melodrama. Apesar da moda, é necessária uma precisão singular para tecer narrativas sobre si – como é o caso de Santiago, Alguma Tristeza e Tarachime, já exibidos no ETV 2007 – e isso faz falta em Fotografias.

véspera

2007-03-31T22:31:00.000-03:00

olá.

***

essa semana em vez de repetir o velho hábito de abrir o pessoa ao deitar-me, decidi pegar meus bloquinhos de carteira - que comecei a adotar em 2004, presenteado pelo meu irmãozaço Bruno Prada-Brunelle(dois éles, por favor)

ficou estampada a necessidade de escrever, de dar uma certa atualizada em algumas coisas.

vou postar alguns fragmentos dos bloquinhos ecaderninhos por aqui. mas.. um alerta: tentem não escrever de lápis - é triste dizer isso, eu adoro escrever à grafite. assim.. se vocês quiserem dar uma força pra finitude - que não é lá má idéia, mas me falta desprendimento pra isso - caiam dentro. vendo minhas anotações à lápis no caderninho, fiquei alarmado.

***

vi um filme que gostei, agorinha no ccbb, Logo Existo. é um tipo de filme que, à princípio, não gostaria mas acho que ele vai bem. na cinequanon tem um texto do qual eu concordo bastante sobre o filme. amanhã deve sair o meu no DocBlog.

***

caralho: Uma Mulher Sob Influência no cinema: filmes sobre os quais é difícil falar alguma coisa: filmes intermináveis: trata-se de um ser vivo: Cassavetes é mestre em fazer isso: mais do que Ozu até, surpreendentemente.

comentei com algumas pessoas que não consigo ter um olhar analítico para com esse filme - como consigo com muita coisa do que vejo. é um filme que pulsa. filme de carne mesmo. quem viver verá.

***

frase do dia de hoje - por conta do Qualquer Coisa à tarde na chuveirada:

A tua presença mantém sempre teso o arco da promessa

hoje em dia

2007-03-24T23:03:00.000-03:00

estou pensando em ativar este blog. um pouco por conta... de váras coisas. escrever dá uma concretude bacana. cria coisas. coisas é ótimo.

hoje o ETV começou surpreendentemente bonito. o grande santiago ontem - do qual retendo escrever algo por aqui. e o belo Alguma Tristeza hoje no OI futuro.

escrevi um texto que vai sair no docblog amanhã, acho, mas sai aqui em primeira mão. mas ainda não achei um título que me satisfez.

até

paraíso

2007-03-21T10:27:00.000-03:00

eva dorme acompanhada

tríptico

2006-03-09T14:33:00.000-03:00

tríptico do dia

férias passadas

2005-11-02T13:26:00.000-03:00

viva barra do jucu e os amigos